Hellen Allingham (1848-1926)

Niño en un camino fuera de una casa de campo de West Horsley Surrey

Hellen Allingham fue una  acuarelista e ilustradora de la época victoriana. Nació cerca de Burton upon Trent en Staffordshire, Inglaterra. Su padre, médico, murió en 1862, y el resto de la familia se mudó a Birmingham. 

Helen demostró talento para el arte desde una edad temprana. Su abuela materna Sarah Smith y su tía Laura Herford Herford fueron artistas destacadas de su época.

En 1867 marchó a estudiar arte a la Female School of Art de Londres y se convirtió en ilustradora de libros para niños. 

Helen Allingham ilustró varios libros, incluyendo Six to sixteen: a story for girls (1876), Happy England (1903) y The homes of Tennyson (1905), escrito junto su hermano Arthur Paterson.

Se casó con William Allingham, poeta irlandés y editor de la revista Fraser. Tras su matrimonio se dedicó a la acuarela y fue la primera mujer en convertirse en pleno miembro de la Royal Watercolour Society. Además de paisajes, realizó varios retratos, incluyendo uno de Thomas Carlyle. Es más conocida por sus escenas rurales, particularmente sus encantadoras vistas de casas de Surrey y Sussex.

 

El platito de leche (acuarela)

 

La jaula del conejo (acuarela)

 Casa de campo con girasoles en Peaslake (acuarela)

Evelyn Paul (1883 – 1963)

Escena de "El romance de Tristán de Lyones y la bella Isolda", que Evelyn Paul tradujo e ilustró.

Evelyn Paul estudió en la Escuela de Arte de South Kensington en 1906. Debido a que las mujeres no eran aceptadas en las academias públicas en esa época, ingresaban en escuelas privadas independientes. La escuela, dirigida por Alexander McDonald, se especializaba en el perfeccionamiento de las habilidades artísticas y entrenamiento en pinturas tradicionales foráneas y técnicas no convencionales. 

Después de su formación, Evelyn trabajó como ilustradora de libros. Sus obras están influenciadas principalmente por su papel como modelo de Dante Gabriel Rosetti. Pequeñas figuras de grandes escenas son típicas de su estilo. Puso gran énfasis en los detalles en sus obras, lo que contrastaba con la obra de Rossetti. También iba en contra del estilo académico. Sus influencias exóticas se muestran claramente en sus ilustraciones para el libro de la serie "Leyendas del Antiguo Egipto, Asiria y Babilonia". Otros ejemplos bien conocidos se pueden encontrar en los libros "Claro de Luna", "La vida nueva", "Tristán e Isolda", y "El nacimiento de Inglaterra". 

Fue activa como artista hasta aproximadamente 1922.

Traducido de: http://www.kettererkunst.com/bio/evelyn-paul.shtml

Más ilustraciones de Tristán e Isolda:

Kate Greenaway (1846-1901)

 Flautista de Hamelin impresión color de 1983, Kate Greenaway

Kate Greenaway fue una ilustradora y escritora de fines del siglo XIX. Junto a Randolph Caldecott y Walter Crane, ella fue una de los tres más respetados, influyentes y populares ilustradores para niños de la época. Más de un siglo después de su muerte, su obra sigue siendo buscada, y la Medalla Kate Greenaway, un premio anual otorgado desde 1955 a la excelencia en el campo de la ilustración infantil, se brinda en su honor.

Desde su infancia, Greenaway fue alentada por sus padres a explorar sus intereses artísticos. A la edad de 17 ya se había vuelto muy hábil en la acuarela y el dibujo a tinta, ganando varios premios. Sus primeras ilustraciones fueron publicadas en 1867, cuando tenía 21 años, en el libro "Diversiones infantiles" de William Kingston. Ella ilustró exitosamente no menos de 30 libros entre entonces y 1879. Cuando incursionó en la escritura con su libro "Bajo la ventana" este se convirtió al instante en un bestseller. Alentada por ello, comenzó a escribir e ilustrar varios libros más por su cuenta. Tenía un particular aprecio por la rima y sus cálidos y amigables versos atraían enormemente a los niños.

Sus historias eran por lo general idílicas y agradables, con un enfoque en la naturaleza; niños felices eran representados con flores, pájaros, animales y otros elementos naturales. Sus admiradores opinan que el hecho de haber sido educada en el hogar y en un lugar solitario, pasando mucho tiempo sola en el campo, pudo haberle ayudado a comprender e imaginar lo que los niños necesitaban y amaban. Puede haber algo de eso, como se ha expresado también sobre la crianza de Beatrix Potter. Los niños que vivían en las historias e ilustraciones de Kate eran felices, bien amados y cuidados. Fue en parte ese idealizado y pacífico sentido de la inocencia lo que atrajo a su audiencia, que se extendió mucho más allá de Inglaterra. Ella fue muy popular también en los Estados Unidos.

Hija de una costurera que también era propietaria de una tienda de ropa, Kate prestó especial atención a la moda de la época, y sus ilustraciones de niños vestían con exquisito detalle, con estilos y accesorios inventados. La ropa en sus dibujos se hizo muy conocida y llamó la atención del mundo de la moda de la época, tanto que el nombre de Kate Greenaway se volvió tan familiar en el círculo de la moda como en el literario. Las batas, gorros, delantales y adornos delicados eran anticuados y tenían reminiscencias de la Época de Regencia, pero capturaron la imaginación de los lectores nostálgicos, y esos estilos comenzaron a usarse otra vez. Liberty of London, una conocida tienda británica, incluso adaptó las ropas de las ilustraciones de Kate para una línea infantil.

Niña con manguito (1901)

Lápiz y acuarela sobre cartón, 29,2 x 21 cm.

Muchos de los libros de Kate fueron publicados por George Routledge & Co., una editorial importante de la época muy conocida por sus  libros de bolsillo económicos, cuyo objetivo era hacer que la lectura y los libros fueran accesibles a cualquiera. Edmund Evans, un grabador de madera e impresor muy conocido, reprodujo las pinturas y dibujos de Kate para sus libros. Utilizaba un método llamado cromoxilografía -grabado en bloques de madera y luego impresos en las páginas de los libros.  Kate también hacía otro tipo de trabajos además de los libros, como tarjetas de felicitación y ex libris.

Los poemas e ilustraciones de Kate Greenaway continuaron siendo muy populares y queridos por los niños durante el resto del siglo XIX y más allá. Murió de cáncer de mama a los 55 años, en 1901.

Traducido de: http://www.abebooks.com/books/RareBooks/illustration-under-window-medal/Kate-Greenaway.shtml

Más ilustraciones de Kate Greenaway:

 

 

Mary Moser (1744-1819)

Una de las mejores pintoras de flores nació en Londres en 1744. Su maestro fue su padre, pintor y medallista suizo. Demostró un talento precoz ganando a los 15 años la primera medalla de plata de la Royal Society of Arts, de Londres, con este dibujo que mostramos aquí, de variedad lujuriante de flores. Su firma está abajo a la izquierda. 

Cuando, en 1768, se fundó la Royal Academy de Londres su padre estaba entre los artistas fundadores y también ella, junto con Angelica Kauffman, lo que les permitiría exponer anualmente pero no asistir a las clases de desnudo. Eso explica que en el cuadro de Zoffany que retrata la reunión de Académicos en una de esas clases las dos pintoras aparezcan solo en dos retratos colgados en la pared de la sala. 

En 1790 recibió un encargo de la reina Carlota, alemana, esposa del rey Jorge III y coleccionista de libros de botánica, para decorar con guirnaldas de flores los muros y techo de una habitación del palacete de Frogmore (junto al castillo de Windsor). Hoy se puede ver en ese palacete preferido por las reinas esa obra por la que le pagaron la gran suma de 900 libras, pero se conocen pocas obras más de ella.  En 1793 se casó y en adelante solo expuso sus obras como amateur. Murió en 1819 y no hubo más mujeres elegidas académicas hasta 1936. 

Texto gentileza de María Siguero, directora de la editorial Bercimuel de Madrid.

Emily Mary Osborn (1834-después de 1893)

Emily Mary Osborn era la hija mayor de un eclesiástico de Essex que se trasladó a Londres en 1848, cuando Emily tenía 14 años. A pesar del escepticismo de su padre empezó a  estudiar con tres distintos maestros los temas de paisaje, retrato y pintura de historia. 

En 1851, con 17 años, se presentó por primera vez en el Exposición de la Royal Academy. En su larga vida de trabajo viajó a Alemania y se ganó bien la vida pues no le faltaron los reconocimientos, medallas de plata,  encargos, compras por la reina Victoria de dos de sus obras, etc. Pero a menudo trata el tema de la mujer víctima o infeliz por los prejuicios de la sociedad: así La gobernanta, de 1860,  o, sobre todo, Sin nombre y sin amigos, de 1857, un raro tema de la triste situación de la mujer artista que intenta vender sus cuadros en una tienda de arte, donde además hay unos clientes, hombres, sonriendo con sorna, al fondo.

Este retrato de una Señora Sturgis y sus hijos, pintado a los 21 años, fue un encargo de un protector para que desarrollara temas más amplios, como el retrato de grupo, y por él le pagaron 200 guineas. Fue expuesto en la Royal Academy en 1855. Su composición recuerda el cartón de Leonardo que está en la Royal Academy desde 1791 y que representa la Virgen con el niño y Santa Ana. Poner las figuras al aire libre es un recuerdo de la gran retratística del XVIII inglés, de Reynolds , etc. pero la obra es más interesante por lo insólito del fondo de playa y mar. 

(Texto de María Siguero, de la Editorial Bercimuel de Madrid.)

Maria Hadfield-Cosway (1759-1838)

Autorretrato, según María Cosway, 1787.

Nació en Logorn, norte de Italia, en 1759, hija de un inglés y una italiana que tenían una posada en Florencia. Los ingleses paraban allí y allí la conoció de niña prodigio, bonita, con talento pictórico y musical, Angélica Kauffman. Ya en 1778 es académica de la Accademia de Florencia y en Roma conoce a Fuseli, Mengs, etc. Cuando muere su padre en 1779 quiso entrar en un convento. La madre y A. Kauffman la disuaden y ésta la invita a ir a Londres. Allí la introduce en el círculo artístico y la presentará al miniaturista Richard Cosway, 17 años mayor, con el que se casa en 1781. Al tiempo que Kauffman se vuelve a Italia ella se queda para ser la reina del Arte, y que su marido la utilice de ornato de sus fiestas-Salones de Dibujo y música a donde iba toda la aristocracia. Parece que el marido le prohibió cobrar sus obras. En 1781 expone en la Royal Academy 3 obras. Hace temas literarios ingleses y retratos heroicos, muy cursis, ciertamente, pero se sabe en total poco de su obra pues no se investiga en Florencia, Lodi, etc.

En 1786 la pareja viajó a París (Richard apoyaba a la Revolución francesa y por eso le abandonaron sus clientes nobles) y conocieron a Thomas Jefferson, embajador de los Estados Unidos en París. Se enamoraron. Parece que la pareja volvió a Londres y tuvo una hija en el 1791. Deprimida, María la dejó a los 3 meses con su padre y volvió a viajar al continente por 3 años y solo volvió en 1794 cuando estuvo la niña enferma y en 1796 cuando murió. Cuando viajó sola o con Jefferson por Europa, en un estilo propio de damas nobles, parece que huía de Londres, donde su marido la obligaba a llevar una vida frívola que parecía ir en contra de su verdadera manera de ser.

De hecho su Autorretrato (su mejor obra, aunque se conserve solo una copia) parece contradecir esa vida disipada y en él se muestra como una mujer bonita pero seria, solemne, sin coquetería, determinada y firme en sus ideas. Quizá era así como se mostraba en su relación con Jefferson, viajando y enseñándose mutuamente. Se conserva una carta, entre las muchas de él, que titula Diálogo entre la cabeza y el corazón, donde compara su deseo por ella y la necesidad de mantener él su integridad, y gana la cabeza. Ellos seguirán siendo amigos y manteniendo su correspondencia hasta 1824.

Antes de que muriera su hija, ella, en París, es amiga de J.L. David y trabaja en el Louvre. Pero parece que lo que más le importa es la idea de recluirse en un convento haciendo que sea un collegio para enseñar en él a las niñas. Así funda uno en Lyon que funciona de 1803 a 1809. El duque de Lodi lo conoce y la invita a fundar uno en Lodi en 1817. Siguió viviendo y enseñando allí después de la muerte del marido en 1821 y en 1834 fue nombrada baronesa por el emperador de Austria en recompensa de su labor a favor de la educación de las niñas. Allí murió en 1838. El Collegio delle Grazie en Lodi todavía existe.

Texto de María Siguero, Directora de Editorial Bercimuel, Madrid.

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Mary Beale (1633-1699)

 Autorretrato, de la colección de St Edmundsbury Borough Council Moyse's Hall Museum,
Bury St Edmunds. http://www.moyseshall.org

La pintora de retratos Mary Beale es considerada la primera artista inglesa en dedicarse a este oficio de manera realmente profesional. Nacida en Suffolk, fue hija de un clérigo puritano llamado John Cradock y quedó huérfana de madre a la edad de 10 años. Su padre era un pintor amateur que la puso en contacto con artistas locales como Nathaniel Thach, Metthew Snelling, Robert Walker y Peter Lely. A la edad de 18 años, cuando ya era retratista semiprofesional, contrajo matrimonio con Charles Beale, comerciante de ropas de Londres y también pintor aficionado. La pareja se mudó a Londres en 1654. Mary y Charles tuvieron dos hijos, Bartholomew y Charles.

Hacia 1665 la familia comenzó a atravesar dificultades financieras tras haber perdido Charles su trabajo como empleado de Patentes y debido también a la gran peste que atacó a Londres. Tras mudarse a Allbrook, Mary tuvo que mantener a la familia dedicando tiempo completo a la pintura de retratos. En esta tarea le ayudaban su marido y sus hijos en la pintura de fondos y cortinas. Charles, además de preparar los lienzos y las pinturas, llevaba un minucioso registro de las cuentas, que es considerado sumamente valioso como fuente de información sobre aspectos relacionados al arte de esa localidad y época.

Hacia 1670 la familia regresa a Londres y Mary establece un estudio con gran éxito, atrayendo gente muy influyente, entre los cuales se encontraban el poeta Samuel Woodford, el Arzobispo de Canterbury John Tillotson, el Obispo Edgar Stillingfleet. También se afianzó su amistad con el pintor de la Corte de Charles II, Sir Peter Lely, quien tuvo una gran influencia en su obra, ya que Mary tuvo la posibilidad de observarlo trabajar en su estudio e imitar el estilo de retrato de Corte que tenía características definidas tanto en la composición y la paleta utilizada como en la posición del modelo y la expresión del rostro. 

En 1677 los libros de Charles registran un año muy ocupado, con un total de 83 encargos y un ingreso total de £429. Su círculo de clientes se extendía a familiares, amigos, miembros de la nobleza y el clero.

Se conocen datos de que Mary tuvo dos alumnos hacia 1681, Keaty Trioche y Mr. More. También su asistente, Sarah Curtis, se dedicó después a su propia carrera en la pintura.

Los problemas económicos de la familia no se solucionaron a pesar de la popularidad de Mary como retratista debido los grandes egresos en la compra de insumos y obras de arte y los gastos que implicaba atender a sus numerosos invitados y patrocinadores. En los últimos años de su carrera Mary experimentó con soportes más económicos -que incluían bolsas de cebollas, por ejemplo- y Charles realizó un detallado registro de estos experimentos y el resultado obtenido con los nuevos soportes e imprimaciones. El estilo de retrato de Corte comenzó a perder popularidad y la clientela de Mary se redujo considerablemente hacia 1680, bajando a un promedio de 39 encargos anuales. En el tiempo que no ejecutaba alguna comisión, Mary practicaba realizando pequeños estudios. Utilizó varios medios, que incluían el óleo, la acuarela y los pasteles. Trabajó hasta el año de su muerte, en 1699. Su hijo Bartholomew pintó retratos antes de dedicarse por completo a la medicina y Charles se dedicó a la pintura, especialmente de miniaturas.

En el año 1975 se realizó una retrospectiva de esta artista denominada “The Excellent Mrs. Mary Beale”, en el Geffry Museum de Londres.

 

Charles Beale (padre) (c. 1663) 24,1 x 21 cm. óleo sobre lienzo con formato octagonal

Autorretrato (ca. 1665) Óleo sobre lienzo, 109 x 87.5 cm National Portrait Gallery, Londres (c) www.npg.org.uk
 Autorretrato (c. 1675)

En estos autorretratos Mary Beale se presenta en sus facetas de madre y artista especializada en retrato,
al colocar la paleta colgada en la pared o sosteniéndola en su mano y al mostrar el retrato de sus hijos.
Este tipo de autorretrato era muy raro en Inglaterra.

 Retrato de Thomas Fountaine

Retrato de una joven (c. 1681) Óleo sobre lienzo, 53,5 x 46 cm

Magdalena penitente (c. 1672)

Retrato de Nell (atribuido a Mary Beale)

María Wither de Andwell (1670)
Óleo sobre tela, 73 x 60 mm

 

 Retrato de Francis Turner

 

 Retrato de Edward Stillingfleet

 

 Frances Pierrepont, Duquesa de Newcastle, óleo sobre lienzo, 76,2 x 63,5 cm 

 

Vizcondesa Frances Hatton (sin fecha) Atribuido a Mary Beale.
Smithsonian American Art Museum

Retrato de la Duquesa de Marlborough, óleo sobre lienzo, 76,2 x 64 cm

Retrato de Sir Nicholas Stuart, Bart
óleo sobre lienzo

Fuentes:

Mary Beale - Everything2
Mary Beale - Wikipedia
Mary Beale - Clara Database of Women Artists