Mujeres pintoras

Procesa Sarmiento (1818-1899)

2009-09-06T12:40:00.017-03:00

Fotografía de Procesa con su sobrino Dominguito.

Procesa del Carmen Sarmiento, considerada la primera mujer pintora de Argentina, nació en San Juan el 22 de agosto de 1818 y fue la hermana de Domingo Faustino Sarmiento (quien llegara a ser presidente de la Argentina entre 1868 y 1874, y por quien se estableció la fecha de su fallecimiento, 11 de setiembre, como Día Panamericano del Maestro).

La investigación sobre la biografía de esta artista fue realizada por la profesora Valeria Sacchi, de la Casa de Sarmiento, quien se basó en cartas y otros escritos de Domingo Faustino, artículos periodísticos, crónicas y cartas escritas por Procesa, además de trabajos de otros especialistas contemporáneos. Lamentablemente, no se ha podido localizar la totalidad de su obra, pero se cuenta con diez originales en la Casa de Sarmiento y otros en colecciones privadas de familias de San Juan. También existen reproducciones de sus obras en museos de Mendoza y Buenos Aires.

Procesa comenzó a estudiar dibujo en el colegio Santa Rosa de San Juan, fundado por su hermano. Fue alumna de Amadeo Gras. Luego se mudó a Santiago de Chile -siguiendo a Domingo cuando fue exiliado por segunda vez a ese país- y allí estudió con el pintor francés Raymond Monvoisin y fue compañera de Franklin Rawson y Gregorio Torres. En Chile es considerada precursora y es recordada como integrante del grupo de artistas viajeros.

La docencia también fue una de sus facetas: además de ser maestra de educación primaria, fue profesora de dibujo y pintura en Chile, San Juan y Mendoza. Fomentó la expresión artística entre mujeres como Lucía Antepara de Godoy, Magdalena Bilbao y su sobrina Eugenia Belin.

El retrato fue su especialidad; entre ellos están el del presidente Manuel Montt, el del escritor Juan María Gutiérrez, el del General Juan Gregorio de Las Heras, el de Raymond Monvoisin y el de Vicente Fidel López, el de Mauricio Rougendas, el de su hermano Domingo y el de su hija Victorina. También realizó pintura de flores, paisajes y motivos religiosos. Además de la pintura al óleo, realizó acuarelas, dibujos a lápiz y tinta y técnicas mixtas.

En 1850 contrajo matrimonio con el ingeniero Benjamín Lenoir, con quien tuvo dos hijas, y se alejó de la docencia y la pintura hasta que un accidente sufrido por su esposo hizo que tuviera que solventar a su familia dando clases de pintura e idiomas extranjeros.

Sus obras se expusieron en varias muestras, tanto en su provincia como en otros sitios de la Argentina. En 1882 participó en la Exposición Continental de Buenos Aires y ganó una medalla de plata con “La Vasiliki" , copia de un cuadro de Monvoisin. En el Salón de Pintura de San Juan de 1884 expuso once cuadros.

Procesa falleció el 15 de setiembre de 1899. Exposiciones póstumas de su obra se realizaron en el Salón de Pintura de San Vicente de Paul (1902) y en la exposición “Pintores Sanjuaninos de 1860 a 1900”, organizada por la Escuela Normal de San Juan en 1969.

San Francisco de Asís rezando
Óleo sobre tela

Retrato de la nieta de Procesa, María Luisa Klappenbach
Óleo sobre tela

Retrato de otra nieta, María Amelia klappenbach
Óleo sobre tela

Retrato de doña Librada Leticia Albarracín de Albarracín.
Óleo sobre tela

Collage de paisaje sanjuanino

Fuentes:

La primera pintora argentina, por Fabiana Juárez, Diario de Cuyo.com, 19-08-2007

Artistas plásticos chilenos, Biblioteca Museo de Bellas Artes

Procesa del Carmen Sarmiento - Wikipedia

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Luisa Roldán (1652-1706)

2009-09-02T14:26:00.013-03:00

Virgen de la leche , 38 cm alto, de familia Muguiro.

Nació en Sevilla, en 1652, la hija más dotada de Pedro Roldán, maestro escultor e imaginero. Sevilla y el imperio español habían empezado a declinar, lo cual influirá en la vida de Luisa porque muchas veces tardarán en pagarle los encargos, especialmente en la corte de Madrid en los años en torno a 1700, cuando muere Carlos II, el último rey de la casa de Austria.

En 1671, con la fuerte oposición de su padre, se casó con uno de los oficiales del taller, Luis Antonio de los Arcos.

Trabajaron juntos en Cádiz hasta 1689, año en que se trasladaron con el hijo (había tenido 5 pero no vivía el resto) a Madrid y allí Luisa tuvo otra hija, María. En Madrid lograría ser nombrada Escultora de cámara, del rey Carlos II, en 1693, con un colosal San Miguel castigando al demonio que se encuentra en la clausura de los monjes del Monasterio del Escorial.

San Miguel venciendo al demonio, madera dorada
y policromada, 1693, Monasterio de El Escorial, Madrid

Se conservan obras firmadas que son imágenes de altar o de pasos procesionales en madera pintada y estofada. Pero desde su marcha a Madrid hará también muchas pequeñas imágenes o grupos de figuras en madera o barro pintados, que le compraban para altarcitos domésticos. Esas son sus obras más originales. Se trata de escenas amables de la vida de la Virgen, grupos de Nacimiento, o Educación por Santa Ana, nacimientos de Cristo y, especialmente, Vírgenes de la leche, como se las llama a estas representaciones de María amamantando al niño Jesús, tan encantadoras.

Muerte o éxtasis de la Magdalena, barro cocido y pintado,
detalle, periodo madrileño 1693-1705,
The Hispanic Society of America, Nueva York.

En esta obra se ve muy bien el tipo de angel femenino con gruesos mechones de pelo ondulado y en movimiento tan frecuente en sus obras.

Entre 1702 y 1705 trabajó mucho y también hizo encargos para el duque del Infantado: un Ecce homo, una Virgen amamantando y un Nacimiento de 149 figuras destinado al convento del Rosal de Priego, (Cuenca) monasterio bajo el patronazgo de ese duque y hoy en paradero desconocido. Lo que al menos sabemos es que era grande su inventiva en la composición de las figuras.

El diez de enero de 1706 la Accademia de San Luca de Roma la nombró Accademica de mérito "Donna Aloisa de los Arcos (el apellido de su marido como se nombra en el extranjero), da Madrid, castigliana..." que había donado una Madonna con nuestro señor en "cretacotta colorita". Nunca antes - ni después- se concedió ese título a una mujer española. Pero la triste coincidencia fue que ese mismo día murió en Madrid Luisa Roldán, tres días después de haber firmado una declaración de pobreza. ..."estando enferma en cama... (...) no tiene bienes ni hazienda que poder testar por lo cual... (...) ... suplica al cura de la Iglesia de San Andrés (...) haga enterrar su cuerpo en el sitio parte o lugar sagrado que le pareciere y sufragio en beneficio de su alma que pudiere en atención a su suma cortedad de medios y así lo espera de su gan caridad". El registro parroquial de entierros también cita esa mala situación económica. "Dª Luisa Roldán mujer de D. Luis Antonio de los Arcos que vivía en la calle del Gato casas del Sr. Duque del Infantado murió en diez deenero de mil stecientos seis. Hizo delaracíon de pobre en ocho de dicho mes y año ante Miguel Ramon. Enterrose en secreto en esta iglesia. pago a la fabrica seis ducados.

Su marido, que la ayudaba a pintar las obras, murió en 1711 y fue enterrado también en la Iglesia de San Andrés, una de las más antiguas de Madrid.

María Siguero Rahona, directora de Editorial Bercimuel, Madrid.

Inmaculada, obra atribuida, circa 60cm alto.
Casa Museo de Emilia Pardo Bazán, A Coruña.

Bibliografía

Catálogo de la Exposición LA ROLDANA, verano del 2007, Sevilla.

Ver también en el sitio web de Editorial Bercimuel sept de 2007.

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Teresa Dieç

2009-08-07T11:08:00.020-03:00

SOBRE LA PINTORA GÓTICA TERESA DIEÇ, activa en torno a 1316 en Zamora, España.

Epifanía. Pintura mural de Teresa Dieç de la Iglesia de Santa Clara de Toro, Zamora.

Escenas del Bautismo de Cristo, Cristo resucitado y la Magdalena
y Santa Marta alanceando al dragón.

Mural de Teresa Dieç.

En 1955 fueron encontradas en el ruinoso Monasterio de monjas de Santa Clara de Toro, Zamora, protegidas en parte por la sillería del coro, varias pinturas murales hechas con una técnica llamada fresco seco porque los trazos del dibujo están hechos en el mortero de cal fresca pero los colores (escasos pues procedentes de tierras) son pintados encima, al temple. Fueron despegadas en 1962 por LLopart Castells y trasladadas en el actual soporte a la iglesia museo de San Sebastián de los Caballeros, en la misma ciudad.

Su autora es incontestable pues firma en la escena de San Cristóbal con la frase TERESA DIEÇ ME FECIT , en una banda entre la túnica del santo (se le representa como un gigante, según la leyenda, ayudando a cruzar un río al niño Jesús) y la cenefa de zig-zags. Bajo la banda firmada hay un escudo [banda de sable -negro- sobre campo de plata, orlada de gules -rojo-] que es desconocido por ahora. Si algún experto en heráldica leonesa del siglo XIV lo viera en internet y lo identificara sería estupendo. También hay otros escudos con 5 cuervos o urracas y otro de cuarteles de lises y leones. Y la fecha de 1320 viene dada por la reconstrucción del edificio, prácticamente concluida a impulsos de la reina de Castilla María de Molina en 1316.

Firma de Teresa Dieç

Estas escenas de la Epifanía, el Bautismo de Cristo y su aparición resucitado a la Magdalena, con Santa Marta alanceando al dragón al fondo(como se cuenta en La leyenda dorada de Santiago de la Vorágine), son las tres que se conservan completas entre todas las pinturas que cubren los muros. Teresa Dieç pintó las escenas de la historia sagrada siempre rodeadas (al estilo del gótico internacional) de cenefas de modo que formasen como viñetas de un libro didáctico. Por eso en la parte de arriba dibuja las frases en castellano que explican la pintura. En ésta se puede leer: COMO VAN OFERECER LOS TRES MAGOS A SANTA MARIA A IESUXPTO y se ve cómo aún no aparecía el rey negro en el siglo XIV. Sigue "COMO BAUTIÇA SAN IHOAN A IESUXPO" y "COMO APARECE IESUXPO A LA MADALENA", donde se ve qué antigua es la costumbre castellana de llamarla Madalena.

Otro grupo de escenas algo incompletas cuentan la historia de Santa Catalina de Alejandría y sus martirios, siempre con ese estilo de perspectiva románica pero ya más naturalismo en los gestos y los volúmenes. En el catálogo de la Exposición Las edades del hombre de 1988 se dice que son de su mano los murales de la iglesia de La Hiniesta, junto a la ciudad de Zamora, (pueblo fundado por petición de Sancho IV, marido de María de Molina), y unos restos en la Colegiata y la Iglesia de San Pedro, también en Toro. Asimismo dice que no se conocen sus fuentes de inspiración pero que debió de conocer las creaciones de Antón Sánchez de Segovia y otros anónimos maestros que pintaron en la catedral vieja de Salamanca. [Por cierto que en 1997 se encontraron más pinturas bajo la cal en esa catedral vieja de Salamanca y se las atribuyen también al grupo de Antón Sánchez de Segovia].

Mural de Santa Catalina

Pero yo no los he visto y además no hay ningún libro (ni en las webs de Toro ni de la Hiniesta hay ninguna mención a Teresa Dieç) sobre esta pintora 48 años después de ser colocados estas pinturas en un a modo de museo porque ninguna universidad (Salamanca o Valladolid son bien antiguas y próximas) o estudioso se ha preocupado por investigar su vida y obra. Aunque en realidad tampoco hay muchos estudios sobre la reina María de Molina, que pudo ser su cliente. Pero es que la historia de los trabajos de las mujeres está bastante sin escribir.

María Siguero Rahona

Mural de la historia de San Juan Bautista

Bibliografía

CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN Las Edades del hombre. Valladolid 1988.

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Therese Concordia Mengs-Maron (1725-1806)

2009-07-16T09:54:00.014-03:00

Texto de María Siguero Rahona, del calendario 2009,
Pintoras - Siglos XVI, XVII y XVIII, Editorial Bercimuel
Agradecimientos a María por su gentileza al brindarnos
el texto y las imágenes de esta entrada.

Autorretrato, Therese Concordia Mengs - Maron, 1745,
Pastel sobre papel azul, 42x34 cm, Dresde, Gemaldegalerie.

Nació en Aussing, Bohemia, en 1725 (en 1728 nació Antón Rafael Mengs y en 1730 Julia Carlota) hija de Ismael Mengs, pintor al servicio del elector de Sajonia, en una familia que, según Germaine Greer, era judía y luego luterana. El padre era autoritario y tacaño, pero les enseñó seriamente la pintura a los tres.

Parece que Antón Rafael fue de viaje a Roma en 1741 por primera vez. Según Bianconi (1802) en 1745 Antón R M. (a sus 17 años) hizo un retrato al pastel del rey de Polonia y Elector de Sajonia, Augusto III, y le gustó tanto al rey que ipso facto le dieron 100 doblas y una pensión anual de 600 escudos. Pidió ver alguna miniatura de las que hacían sus hermanas y les asignó una pensión de 300 escudos a cada una “para animarlas y que supieran qué honor era tener ese hermano…” Eso significaba que eran pintoras de cámara. A Antón le compró más cuadros al pastel y los puso en el famoso Gabinete de “la Rosalba”. Desde 1745 está en la Gemaldegalerie de Dresde el autorretrato de Anton, joven de 17 años, el retrato por él de su padre Ismael, entre otros, y también dos pasteles de Therese Concordia Mengs: un retrato de su hermana Julia, quizá de 15 años, y este Autorretrato, quizá a sus 20 años, que demuestra la calidad que puede alcanzar la técnica del pastel.

Vista la bondad de su trabajo la reina encargó a Therese que hiciera copias en miniatura (son de 24x18cm) de las pinturas de Correggio llamadas El Día y La Noche, escenas de Navidad, y tienen la fecha de 1746, conservándose en ese museo de Dresde con el nombre de casada Therese C. von Maron, aunque las hizo 20 años antes de la boda. De la colección de la Universitat de Wurztburg han contestado que no hay obras suyas allí como dicen algunos libros de los años 70. Otro libro dice que hay un retrato de Julia por Therese en Kassel.

Lo cierto es que en 1746 Ismael con toda la familia y la criada viajaron a Italia visitando Parma, Venecia y Bolonia. Y en Roma Anton se enamoró de su modelo para una Madonna y, para casarse, se hizo católico y también sus hermanas el 6 de julio de 1749. En 1751 están todos en Dresde y el padre administra las pensiones de toda la familia, 2.200 escudos anuales; hay conflicto con la nuera embarazada (de Ana María Mengs, 1751-1793, que también pintó y se casaría con un grabador español) y decidieron que el padre tuviera los derechos de las obras de todos y los hijos sus pensiones.

En 1752 se fueron definitivamente a Roma todos, excepto el padre y la criada. Antón fue nombrado académico de la de San Luca; en 1756 Julia se hizo monja y siguió pintando en el convento y al tiempo se acabaron sus pensiones de Dresde. Anton tenía de discípulo a Anton von Maron, vienés, que se casaría en 1765 con Therese. Por esos años conocieron a la suiza Angelica Kauffman, 15 años más joven que Therese y le presentarían al historiador del Arte Winckelman. Y seguro que Therese ayudaba a su hermano en el taller, excepto en los años 1761-1769 y 1774-1776 en que trabajó en Madrid, recibiendo más estupendas pensiones por cada uno de sus 5 hijos. En 1778 también conocieron a la joven Maria Hadfields, luego Cosway, y al pintor Fuseli. Therese enseñó pintura a muchachas como Apollonie Saydelman ((1767-1846) que pintaría miniaturas en Dresde. Anton R. Mengs murió en 1779, Therese en 1806, y Julia más tarde.

Therese Mengs-Maron entró en la Accademia di San Luca en 1766, al tiempo que su marido, pero en otra sección, y no se conservan obras suyas allí (a pesar de que debía entregar una pieza de recepción), según dicen, aunque hay un retrato de ella que dicen hizo su marido. Vemos así cómo la familia de un artista más importante puede permitir y a la vez sofocar la personalidad artística, imaginable, de algunas pintoras que no se independizaron como Artemisia.

Retrato de la hermana Juliana Charlotte Mengs, realizado por Therese

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Angelika Kauffmann (1741-1807)

2009-06-05T12:05:00.031-03:00

Autorretrato (c. 1770-1775)

Autorretrato

Autorretrato (1780-1785)
Óleo sobre lienzo. 76,5 x 63 cm.
Museo del Ermitage, San Petersburgo

Autorretrato (1784) Óleo sobre lienzo. 64,8 x 50,7 cm. Neue Pinakotek, Munich

Angelika Kauffmann fue una pintora suizo-austríaca nacida en 1741. (No nos referimos en este caso a otra pintora del mismo nombre nacida en 1935). Aprendió a pintar con su padre, Johann Josef Kauffman, quien no fue considerado un buen pintor pero supo enseñar muy bien esta disciplina a su hija. A pesar de provenir de una familia pobre, Angelika tuvo mucho interés en la literatura, aprendió varios idiomas y desarrolló su talento también en la música, aunque se destacó más en la pintura logrando la fama a la temprana edad de doce años y llegando a retratar a obispos y personas de la nobleza. Viajó varias veces a Italia; conoció Milán, Roma Bolonia y Venecia, lugares en los que fueron apreciados su talento y personalidad.

Winckelmann, el conocido historiador de arte, hace alusión a la fama de esta pintora en sus cartas a su amigo Franke, en tiempos en que Angelika pintaba un retrato suyo de medio cuerpo. Expresó su admiración por el dominio de varios idiomas, por su habilidad y popularidad como retratista, por su belleza y su talento para el canto.

La esposa del embajador inglés, Lady Wentworth, la llevó a Londres, donde pintó el retrato de David Garrick, que fue expuesto en el “gran salón del Sr. Moreing en Maiden Lane”. Gracias al retrato de Lady Wentworth Angelika tuvo una excelente acogida en la alta sociedad y la realeza.

Retrato de David Garrick

Fue amiga íntima de Sir Joshua Reynolds. Entre las anotaciones de este pintor figura muchas veces su nombre como Miss Angelika o Miss Angel, y se retrataron el uno al otro. Él ayudó a Angelika cuando le fue tendida una trampa para casarse con un sujeto que se hacía pasar por conde sueco, el Conde de Horn. También contribuyó para que Angélika fuese una de las fundadoras de la Royal Academy, ya que su firma figura en la petición al Rey de instaurar una Academia Real de Pintura y Escultura. En el primer catalogo, Angelika aparece con las siglas R.A. después de su nombre, un honor que también tuvo otra pintora, Mary Moser.

El académico Nathaniel Hone, en su cuadro satírico “El prestidigitador”, hace objeto de burla la amistad de Reynolds con Angelika, donde incluía una caricatura desnuda de la pintora que más tarde cubrió con pintura. Esta obra fue rechazada por la Royal Academy.

Sátira de Kauffmann, impresa por Carington Bowles, 1772

Los mejores trabajos de Angelika son los de temas históricos. Entre estos figura Leonardo expirando en los brazos de Francisco I (1778). Además participó en la pintura de la Catedral de San Pablo, escogida junto a otros por la Academia, y pintó la antigua sala de lectura de la Academia de Somerset House con Biagio Rebecca. Pero el público inglés de la época estaba más interesado en los retratos y paisajes que en la pintura de historia, motivo por el cual la pintora se mudó al continente, donde este género era más apreciado y mejor pagado.

Después de la muerte de su primer marido (de quien estuvo separada por largo tiempo), contrajo matrimonio un artista veneciano que vivía en Inglaterra, Antonio Zucchi, y poco después ella se retiró a Roma. Johann Wolfgang von Goethe figura en este sitio entre sus amistades. En su obra Viaje Italiano (1786-1788) menciona que ella trabajaba y lograba más que ningún otro artista conocido por él, pero siempre quería hacer más, viviendo durante 25 años con gran parte de su antiguo prestigio.

Retrato de Goethe a los 38 años pintado por Kauffmann en 1787

En 1782 se produce la muerte de su padre; y en 1795 de su marido. Siguió contribuyendo a la Academia de manera esporádica, exponiendo por última vez en 1797. Posteriormente su producción decae. Murió en Roma, en 1807. Su funeral fue dirigido por Canova y toda la Accademia di San Luca, con gran número de eclesiásticos y virtuosos que la escoltaron hasta llegar a su tumba en San Andrea delle Fratte y llevando también en procesión dos de sus pinturas.

La valoración posterior de su obra no es del todo favorable. Se aprecia su habilidad en la composición, pero se critica la falta de masculinidad en las figuras de hombres, aunque hay que señalar que en aquella época las mujeres no podían acceder a modelos masculinos, salvo en el caso de los retratos. Gustav Friedrich Waagen define su paleta como “alegre”. Se la conoce especialmente por los numerosos grabados de Schiavonetti, Bartolozzi y otros, realizados a partir de sus dibujos. La vida de esta pintora inspiró también a la literatura; como ejemplo se pueden mencionar la novela romántica de Leon de Wailly y la novela Miss Angel, de la señora Richmond Ritchie.

La familia del Conde Gower (1772) National Museum of Women in the Arts. Washington D.C.

Venus convence a Helena de ir con Paris (1790)

Miranda y Ferdinando en "La tempestad" (1782)

Muerte de Alcestis

Más obras:
Angelika Kauffmann (before 1781)
Olga's Galery

Fuentes:
Angelika Kauffmann - Wikipedia (inglés) Angelika Kauffmann - Wikipedia (español) Angelika Kauffmann - La mujer y el arte - Biblioteca Central de la UNED Galería Picasso Mío Enciclopedia Católica Angelika Kauffman - La mujer en el Arte - www.ciorraga.com

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Teresa del Po (1649-1716)

2009-05-27T11:55:00.005-03:00

Virgen con el niño y San Juan (atribuido a Teresa del Po)
Témpera sobre papel, montada sobre tabla. 20,5 x 25 cm.

Teresa del Po fue una pintora y grabadora italiana del Barroco tardío. Nacida en una familia de artistas, fue adiestrada en la pintura por su padre Pietro del Po, quien también enseñó Andrea y Giacomo, los dos hermanos de Teresa que siguieron igualmente la carrera de pintores. La hija de Teresa, Victoria, también fue pintora.

Los trabajos que se conocen de esta pintora muestran que se especializó en temas mitológicos. Pintaba al óleo y en miniatura.

Fue admitida como miembro de la Academia de San Luca de Roma en 1675. Murió en Nápoles, en 1716. Obras de esta pintora casi desconocida fueron expuestas en el año 2003, en una muestra denominada "La donna nella pittura italiana del sei e settecento", junto a obras de otras importantes pintoras italianas, en el Palazzo Accorsi de Torino.

Aparición de la Fe. Tinta y acuarela. 14,8 x 10,5 cm.

Fuentes:

Women Artists: An Illustrated History by Nancy G. Heller, p. 48.

Bryan, Michael (1886). Robert Edmund Graves. ed. Dictionary of Painters and Engravers, Biographical and Critical (Volume I: A-K). York St. #4, Covent Garden, London; Original from Fogg Library, Digitized May 18, 2007: George Bell and Sons. pp. page 393.

A general dictionary of painters, Matthew Pilkington

Lili del Mónico (1910-2002)

2008-10-31T11:41:00.009-02:00

La pintora Lilí del Mónico posando junto a su obra

El grupo Arte Nuevo, creado en el año 1954, es reconocido como el iniciador de una ruptura con la tradición establecida en la pintura paraguaya y el comienzo de la etapa moderna. Lilí del Mónico perteneció a esta agrupación, junto a Olga Blinder, Josefina Plá y José Laterza Parodi.

La artista nació en Suiza, en el año 1910. En su país comenzó a estudiar pintura al óleo, con David Burnan. En Paraguay fue alumna de Jaime Bestard, artista plástico paraguayo que estudió en Buenos Aires y París, maestro con gran dominio de la técnica y la composición, con un perfil posimpresionista que luego fue mostrando ciertas inquietudes renovadoras.

Su primera muestra individual fue realizada en el año 1950, en el Centro Cultural Paraguayo Americano de Asunción (Paraguay). Dos años más tarde expone en el Salón Femenino de las Artes Plásticas en el Unión Club de la misma localidad.

En 1954 se lleva a cabo la Primera Exposición de Arte Moderno en Asunción, organizada por el Grupo Arte Nuevo, cuyos integrantes deciden mostrar sus obras en las vidrieras de los negocios de la calle Palma de Asunción. El grupo se reafirma exponiendo ese mismo año en la Sociedad de Artistas Plásticos Argentinos.

En la trayectoria de Lilí del Mónico se cuentan varias muestras colectivas en Asunción en el año 1960, y en 1975 integra la exposición colectiva denominada “La mujer en la plástica paraguaya”. El catálogo de esta muestra hace referencia a la artista: “Al comienzo de su carrera, Lilí del Mónico pinta indiscriminadamente retratos, figuras y flores. Pero a partir de la exposición de Arte Moderno (…) se dedica con exclusividad a las flores. Es una pintora de rasgos posimpresionistas y sus características son la soltura y la valentía en la factura, un colorido fresco y una espontaneidad en la composición; cualidades que se acentúan en sus últimas muestras.”

Su segunda exposición individual fue en 1967 en la Galería Kennedy, y las siguientes individuales en 1972, 1974 y 1980 en el Centro Cultural Paraguayo Americano, en 1988 en las galerías Fábrica y Arte-Sanos de Asunción. En el catálogo de la muestra en esta última galería, Olga Blinder expresa: “Lilí fue buscando su camino y sus hallazgos no fueron casuales. Siempre es su coherencia interior la fuerza que la guía y, aunque su producción no es constante ni se rige por una línea técnica o temática, la fuerza de su pintura se apoya en su autenticidad, que la hace pintar como habla y actúa en su vida cotidiana. Lilí es así, le guste o no le guste a la gente y, por eso, su pintura trasunta la misma fuerza que siempre la empujó, en todos sus emprendimientos”.

Expuso también en el exterior, en 1976 en la Galería de la Librería Colonial de Punta del Este (Uruguay). En ese mismo país realizó una muestra individual de óleos. En 1990 y 1994 expuso en Lugano, Suiza, donde expuso cuadros que representaban a la mujer.

Lilí del Mónico dejó plasmadas sus reflexiones sobre su trayectoria en la pintura y su participación en el grupo Arte Nuevo en su libro “Entre pinceles y cañaverales”, editado en Asunción en el año 1990, que también ha sido editado en italiano.

Sobre ella, dice Josefina Plá: “Lili del Mónico, única pintora que hizo pintura de rasgos fauve en un comienzo, regresó hacia un figurativismo más tradicional en los últimos tiempos, pero su fuerte han sido siempre los motivos florales donde una pincelada y color posimpresionistas animan composiciones de inclinación decorativa”.

"Flores" Colección Galería El Círculo. Óleo sobre madera. 80 x 50 cm.

Sus pinturas integran la colección del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo de Asunción y colecciones privadas de Paraguay, Argentina, Uruguay, Estados Unidos, Venezuela, España y Suiza.
Lilí falleció en Benjamín Aceval (Paraguay) el 7 de febrero de 2002. En el año 2007 se realizó una retrospectiva de sus obras en la Universidad Americana de Asunción, Paraguay.

"Dos mujeres" óleo, 1954

Fuentes y bibliografía sobre Lilí del Monico:

Lilí del Mónico - Wikipedia

Centro Cultural de la República El Cabildo

Dicicionario Biográfico “Forjadores del Paraguay”, Primera Edición, 2000 Quevedo Ediciones, Bs.As. Argentina

Catálogo de la muestra “La mujer en la plástica paraguaya” realizada en el Centro Cultural Paraguayo Americano.

Diario ABC Color (18-5-2008) Retrospectiva de Lilí del Mónico en la Americana

Lilí del Mónico - Galería El Círculo

Ofelia Echagüe Vera (1904-1987)

2008-08-25T17:35:00.035-03:00

Posible retrato inconcluso. Colección de la familia Echagüe Sisul

La obra de Ofelia Echagüe Vera se ubica en una etapa de transición entre la pintura tradicional y las corrientes innovadoras en el arte del Paraguay. Su sólida formación en el oficio le permitió ejercer con idoneidad el magisterio de esta disciplina incorporando nuevos elementos a la formación académica. De sus talleres surgieron importantes artistas, la mayoría mujeres.

Nacida en Asunción, el 30 de octubre de 1904, comienza sus estudios de dibujo con el maestro italiano Héctor Da Ponte, ingresando luego a las clases del Instituto Paraguayo, mas tarde llamado Ateneo Paraguayo. En la década de 1930 toma clases de dibujo y pintura con Pablo Alborno, artista paraguayo que había obtenido becas para estudiar en Montevideo e Italia, y con Modesto Delgado Rodas, que también estudió en Europa, especialmente en Italia, por medio de una beca. Además fue alumna del profesor húngaro Adam Kunos, egresado de la Real Academia de Budapest, con quien se casó luego de unos años.

Ofelia recibió una beca del gobierno nacional para estudiar en Montevideo en 1938, donde tuvo clases con el profesor Domingo Bazzurro hasta el año 1941. Luego se trasladó a Buenos Aires, ingresó en la prestigiosa Escuela “Ernesto de la Cárcova” y se graduó con honores como Profesora Superior de Pintura. Allí fueron sus profesores Alfredo Guido y Emilio Centurión. La influencia del segundo hizo que la obra de Ofelia se vuelva menos tradicionalista, dejando de lado un costumbrismo anecdótico para dar más importancia a la estructura plástica, siguiendo los lineamientos del posimpresionismo porteño, según Ticio Escobar. Un desnudo realizado por Ofelia en el año 1945 tiene gran parecido en la pose y la construcción rotunda de la figura con La venus criolla de Centurión, realizada en 1934.

En 1946 Ofelia regresa al Paraguay y expone en el Club Centenario una serie de desnudos, de volúmenes sólidos y estructurados, composición rigurosamente planificada en el ordenamiento del espacio y las figuras. Para ella el desnudo constituye “un problema pictórico de máxima jerarquía”. Esta fue la primera exposición en nuestro medio de una mujer artista, pero lamentablemente la sociedad paraguaya de la época no estaba preparada para apreciar el desnudo como tema del arte y las obras tuvieron que ser retiradas luego de la inauguración, para evitar que las damas que frecuentaban el club se sintieran incómodas.

Pudor, sin fecha, óleo sobre tela, colección de la familia Echagüe Sisul

Su retorno contribuye en gran medida con los cimimentos del cambio en el arte local. “Ofelia regresa de Buenos Aires y Montevideo en 1946 con un bagaje técnico y conceptivo que representa ya cierto adelanto sobre los esquemas locales. Su ejemplo enfervoriza sin duda a las vocaciones noveles del momento. Todas ellas, adviértase, femeninas: Edith Jiménez, Alicia Bravard, Leonor Cecotto, Montserrat Solé. Pero por el momento aún esas vocaciones no entrevén su ruptura con el medio.” (Josefina Plá)

Ofelia fue Profesora de Dibujo Artístico en el Ateneo Paraguayo (1947) y ejerció también la docencia en la Escuela de Bellas Artes, donde llegó a ser Vicedirectora.

Sus retratos, de facciones estructuradas, muestran una expresividad contenida pero latente, explícita en la mirada taciturna que no se dirige al espectador. La pose tensa o mínimamente relajada y la austeridad del espacio circundante dejan entrever una preocupación por el ser humano en su relación con el mundo y ponen de manifiesto la angustia existencialista, tomando como base la interpretación del crítico Ticio Escobar. Algunas de sus figuras nos remiten a Cézanne y en ciertos atrevimientos se acerca a la vertiente porteña del cubismo.

En el Ateneo Paraguayo se encuentra una colección de obras de Ofelia Echagüe Vera, relacionadas con la música: un retrato al óleo titulado “El adolescente”, que probablemente representa al compositor Moreno González en su juventud y tres dibujos a lápiz que representan a Chopin, Liszt, y el musicólogo paraguayo Juan Max Boettner. También hay un dibujo titulado “Composición”, que se encuentra en la Biblioteca Musical del Ateneo Paraguayo.

El adolescente (1943) 80 x 100 cm. Óleo sobre lienzo. Colección del Ateneo Paraguayo

En el museo de Bellas Artes puede apreciarse un retrato al óleo titulado “Nostalgia”, realizado en 1944, fecha anterior a su regreso al Paraguay. Otras obras se encuentran en posesión de su familia, aunque muchos trabajos fueron retirados de su domicilio luego de su muerte, ocurrida en Asunción, en el año 1987.

El fantasma del taller (1955) Óleo sobre lienzo, 90 x 50 cm Colección de la familia Echagüe Sisul

Óleo sobre arpillera, sin datos

Retrato del padre, colección de la familia Echagüe Sisul

Observación: Las fotografías de las obras fueron tomadas por Claudia Casarino y han sido publicadas en el Correo Semanal del diario Última Hora, 6 de noviembre de 2004.

Fuentes:

Ticio Escobar (1984) Una interpretación de las artes visuales en el Paraguay. Tomo II, CCPA, 1984

J. Plá, O. Blinder. T. Escobar (1997) Arte Actual en el Paraguay. 1900-1995 Rpediciones, ICI, Instituto de Cooperación iberoamericana, Textos de Josefina Plá

Claudia Casarino (2004) Ofelia Echagüe Vera, a 100 años del nacimiento de una notable pintora paraguaya, Correo Semanal del diario Última Hora, Asunción.

Ofelia Echagüe Vera, Wikipedia

Ofelia Echagüe Vera, Viva Paraguay

H. Lundberg (1986) Tesis de la Escuela de Bellas Artes. Asunción, Paraguay

Diccionario Biográfico "FORJADORES DEL PARAGUAY", (2000) Distribuidora Quevedo de Ediciones, Bs. As.

Élizabeth Sophie Chéron (1648-1711)

2008-08-02T12:27:00.006-03:00

Autorretrato (1672)

Élizabeth Sophie Chéron fue una admirable mujer francesa que desplegó su talento en distintas disciplinas, lo que le valió un gran reconocimiento en su época. Además de pintora, fue poeta y música. Nació en París, en el año 1648, y desde pequeña recibió entrenamiento de su padre en la pintura de miniaturas y esmaltado. En 1672, a la edad de 22 años, fue admitida en la Real Academia de Pintura y Escultura, bajo la protección del pintor Charles Le Brun y con la presentación de su autorretrato como pieza de ingreso. Fue la cuarta mujer en ser admitida en esta Academia, ya que tres ingresaron la década anterior, Catherine Girardon y las dos hijas de Louis Boullogne: Madeleine y Geneviève.

Según expresa Clara Erskine Clement, “su gusto exquisito en la composición de sus temas, la gracia de los pliegues de las telas y, sobre todo, el refinamiento y la espiritualidad de sus pinturas fueron las características sobre las cuales se basó su fama”.

Entre sus retratos se mencionan el del músico real Jacques Morel (fl. 1700-1740). y el de la poeta Antoinette Deshoulières. Su dibujo del retrato de la escritora Madeleine de Scudéry sirvió posteriormente de base para el grabado realizado por otro artista. (La Scudéry fue la primera mujer francesa nombrada para la Accademia dei Ricovrati, conocida por su anterior sobrenombre de “Safo”.). También figura entre sus obras un Descendimiento de la Cruz.

En 1694 publicó su libro de paráfrasis de los Salmos (Essay de Pseaumes et Cantiques mis en vers et enrichis de figures). Sus versos fueron muy admirados y se ha dicho que su poesía espiritual es parecida a la de J. B. Rousseau. En 1699 fue reconocido su talento literario por la Accademia dei Ricovrati de Padua, donde se le dio el nombre académico de “Erato”, por el de la musa de la poesía lírica y amorosa.

Élizabeth sabía interpretar muy bien el laúd y el clavecín. Poseía un colección de instrumentos musicales, de cuerda, percusión y teclado. El escritor G. De Leris (s. XIX) sostuvo que Chéron dejó una versión de sus salmos con música compuesta por ella, pero actualmente se piensa que esta afirmación no tiene bases sólidas y que su talento musical no fue más allá de la interpretación.

En cuanto a su vida fuera del arte, se dice que su padre calvinista y su madre católica se esforzaron en inculcarle sus creencias respectivas. Su madre pudo convencerla de vivir en un convento durante un año, y en ese tiempo ella practicó fervientemente la fe católica. Elizabeth fue afectuosa y generosa con su familia; a su hermano Louis, que estudiaba arte en Italia, le cedió sus ganancias. Muchos hombres ilustres le propusieron matrimonio, pero ella se negó hasta que sorprendió a sus amigos al casarse con Jacques Le hay, "El Ingeniero del Rey", contando ambos con la edad de 60 años. Luego de su matrimonio ella fue conocida como Maddame Le Hay.

En sus últimos años de vida Elizabeth recibió una pensión de Luis XIV. Falleció a los 63 años y fue sepultada en la iglesia de San Sulpicio, París. Las siguientes líneas están escritas bajo su retrato en la iglesia: "La insólita posesión de dos exquisitos talentos hará de Chéron un ornamento de Francia para todos los tiempos. Nada salvo la gracia de su pincel puede igualar las excelencias de su pluma.”

Autorretrato

Fuentes:
Women in the fine arts - Clara Erskine Clement
Élizabeth Sophie Chéron - Wikipedia
Élizabeeth Sophie Chéron - Claire Fontijn-Harris - Goldberg Magazine

Olga Blinder (1921-2008)

2008-07-28T14:24:00.022-03:00

Maternidad (1953) Óleo sobre tela. Colección particular

Una artista de radical importancia para el arte paraguayo fue Olga Blinder, por ser parte responsable de su renovación e ingreso en la modernidad y por haber desempeñado una labor educativa que tuvo abundantes frutos, tanto en la formación de artistas como en la generación de espectadores capaces de apreciar mejor el arte en sus diversas formas y corrientes. Fue pintora, dibujante, grabadora y educadora.

Olga Blinder, de origen judío, nació en Asunción en 1921. Vivió durante difíciles etapas de la historia paraguaya, como la Guerra del Chaco, la Revolución del 47 y la larga dictadura de Stroessner. Desde pequeña le gustaba dibujar; su padre la apoyaba en esto, y también le incentivaba la lectura. Cuando joven, realizó un curso de dibujo por correspondencia.

En 1938 terminó el colegio con la medalla de mejor bachiller, al año siguiente ingresó a la facultad de Ingeniería. Siguió la carrera hasta el tercer curso y estando en la facultad contrajo matrionio con Isaac Schwartzman.

En 1948 su marido la anotó en un curso de pintura en el Ateneo Paraguayo con la profesora Ofelia Echagüe Vera, una pintora sumamente importante en el Paraguay para la transición hacia el arte moderno, que se desarrolla tardíamente en comparación con el resto de América. Cabe destacar la influencia decisiva que tuvo en este hecho la llegada en 1950 del brasileño João Rossi, quien impartió clases informales que acercaron a sus alumnos a las tendencias de vanguadia. Un hito que es señalado como punto de quiebre fue la exposición de Olga Blinder, el 16 de setiembre de 1952. El catálogo de la exposición registra los comentarios de Josefina Plá y João Rossi en defensa de las nuevas tendencias estéticas, surgiendo así una nueva modalidad en la que una propuesta visual es respaldada por un planteamiento teórico.

En 1954, Olga Blinder expone con el Grupo “Arte Nuevo”, del cual fue una de las fundadoras, junto a Josefina Plá, Lili del Mónico y José Laterza Parodi. Esta exposición, que se conoce como la Primera Semana de Arte Moderno Paraguayo, se realizó en las vidrieras de la calle Palma de Asunción, causando una reacción de perplejidad en el público.

Algunas de las primeras obras de Olga no se alejan mucho de lo académico, pero ya muestran cierta inquietud por los temas sociales. En otras se evidencia la influencia de Picasso y el cubismo en la tendencia a la geometrización, algo que ya había ocurrido mucho antes en el resto de Latinoamérica como un paso casi ineludible en la búsqueda de una imagen con identidad propia. Según Luly Codas, Olga se debate entre los caminos marcados por una preocupación formal, a partir de su aprendizaje con Ofelia Echagüe Vera, y por el interés en lo expresivo, fruto de sus clases con João Rossi.

A la luz de la lámpara (1952) Óleo sobre tela. Colección particular

Flores amarillas (1953) Óleo sobre tela. Colección particular

Hacia las décadas de 1960 y 1970, sus búsquedas e investigaciones se van afianzando en propuestas diferentes que a veces se dan en forma simultánea. Por un lado, produce obras con énfasis en lo pictórico, con riqueza en la pincelada, en la textura y la materia (como puede verse en su obra “La sombrilla”).

La mujer de la sombrilla (1963) Óleo, pintura sintética y collage sobre tela

Su deseo constante de renovación también la lleva a incursionar en la pintura sobre soportes recortados, desarrollando una serie en 1967. Otras series que exploran distintos caminos expresivos son la de los “Homenajes a Antonin Artaud, Josefina Plá o Joseph Albers”, la de los “Papeles rotos”, la de “El Proceso de la Mancha” (Homenaje a Batle Planas) y el montaje de 1978 llamado “Señorita sin pies ni cabeza”, presentado en la muestra de “Arte catastrófico”.

Livio Abramo, quien llegó del Brasil al Paraguay en 1956, fue el maestro de Olga Blinder en la técnica del grabado. Con él funda y dirige el Taller de Grabado del Centro de Estudios Brasileños. En esta disciplina, Olga coincide con el expresionismo de las tendencias neofigurativas, desarrollando contenidos sobre la problemática social y la condición humana (“Los torturados”, "Inútil espera").

Inútil espera (1968) Xilograbado

Sobre Olga Blinder, Luly Codas expresa que “con su obra ha recorrido los grandes apartados del arte moderno: la Figuración (Figuración deformante, Neo-Figuración) y la Abstracción (Abstracción lírica, geometrizante) hasta diversos abordajes a lo conceptual; pero siempre, permanentemente asomada a los balcones del mundo humano, siempre solidaria a la condición humana.”

Como educadora, ejerció la docencia en arte durante más de 30 años, promovió y desarrolló la educación por el arte, dirigió varias instituciones educativas, como la Escolinha de Arte de la Misión Cultural Brasileña y los Talleres de Arte del IDAP. Fue fundadora y Directora del Instituto de Arte (IdeA) y del Instituto Superior de Arte (ISA) dependiente de la Universidad Nacional de Asunción. Recibió numerosos premios: de la Liga de Derechos de las Mujeres, del Gobierno Brasileño, del Ministerio de Educación y Cultura de Argentina, que le otorgó el premio de Integración Latinoamericana. También publicó gran cantidad de libros.

Su personalidad era fuerte y casi amedrentadora, de convicciones firmes, humilde en la evaluación de su propia obra, de una sinceridad a veces áspera pero justa para la crítica. Falleció el 19 de julio de 2008, dejando un valioso legado que deberá ser merecidamente resguardado y difundido por todas las instituciones culturales y artísticas del Paraguay.

Acorde (1955) Óleo sobre tela. Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo

La calesita (1952) Óleo sobre tela. Colección particular

Fuentes bibliográficas y sitios web sobre Olga Blinder:

"El mundo imaginado por Olga Blinder - sus pinturas" (set. 2007) William Paats
"Olga Blinder, una biografía" (2005) Teresa Gossen
Catálogo de la muestra "Olga Blilnder, 50 años después", Centro Cultural de España Juan de Salazar.
Una interpretación de las Artes Visuales en el Paraguay, Ticio Escobar
Arte Actual en el Paraguay - Olga Blinder, Ticio Escobar y Josefina Plá
Ficha de Olga Blinder - MAD, Museo de Arte Digital
Biografía de Olga Blinder
Olga Blinder - Wikipedia
Olga Blinder y el Arte Moderno en el Paraguay - Luly Codas
Tributo a Olga Blinder en el Correo Semanal

Maria Sibylla Merian (1647-1717)

2008-07-12T15:43:00.050-03:00

Retrato de Maria Sibylla Merian realizado por Maler de Bâle en el s. XIX

Las delicadas ilustraciones de plantas y animales de Anna Maria Sibylla Merian han sido actualmente revalorizadas por los historiadores de arte. Su trabajo dedicado, que demuestra una gran pasión por la observación científica, la ubica como una gran contribuyente en la historia de la botánica y la entomología. La calidad técnica y compositiva, tanto en grabado como en pintura, hacen de su obra un objeto de alto valor estético, apreciado por críticos y coleccionistas.

Maria Sibylla nació en Frankfurt, en 1647. Su padre, un editor suizo y grabador llamado Matthäus Merian el Viejo, que murió cuando María tenía sólo tres años, fue para ella una figura inspiradora. Su madre contrajo matrimonio un año después con un pintor de flores flamenco, Jacob Marrell, de quien María aprendió sus primeras lecciones. Desde pequeña se interesó en dibujar las plantas y animales que veía a su alrededor.

Uno de los alumnos de su padrastro, llamado Johan Andreas Graff, contrajo matrimonio con ella en 1665. La pareja, que tuvo dos hijas, se trasladó a Nuremberg en 1670.

La primera obra de Maria se titula “Nuevo libro de flores”, (Neues blumenbuch) publicada entre 1675 y 1680. Se trata de un compendio de grabados bellamente pintados a mano que ilustran variedades de flores de jardín, que además servían como modelo para la realización de bordados. Actualmente se conservan cinco ejemplares, incluida la valiosa primera edición.

Maria recolectaba y criaba los insectos para poder observarlos vivos y así representarlos en sus ilustraciones. Mientras en esta época se creía en la generación espontánea de los insectos a partir del lodo en putrefacción, las atentas observaciones de María le permitieron registrar el proceso de la metamorfosis de las mariposas y polillas. En 1679 publicó un catálogo de tres volúmenes que reunía dibujos de polillas, mariposas y otros insectos europeos. La obra se titula “La maravillosa transformación de las orugas y las singulares plantas que las nutren” (Der raupen wunderbare Verwandelung und sonderbare Blumennahrung).

Tras la muerte de su padrastro en 1681, María se separó de su marido y regresó con sus hijas a vivir con su madre en la provincia holandesa de West Friesland. Se dice se convirtió al Labadismo, una secta pietista que, entre otras cosas, no creía en el matrimonio formal ni en las posesiones terrenales.

Luego de la muerte de su madre en 1690 Maria regresó a Ámsterdam, donde tuvo acceso a varias colecciones de insectos, entre ellas las del pintor Frederik Ruysch (padre de la pintora Rachel Ruysch). Fue así que comenzó a conocer algunos insectos y plantas de otros continentes. Su contacto con el gobernador de Surinam, que le permitió acceder a ejemplares de la fauna y flora de este país, generó su interés en estudiarlos en su hábitat natural y embarcarse en un arriesgado pero maravilloso viaje a la costa norte de Sudamérica. Contaba con 52 años cuando, junto a su hija menor, Johanna Helena, realizó esta travesía con el apoyo del gobierno holandés. El viaje duró tres meses y la estadía dos años, durante los cuales recogió y pintó flores e insectos, realizó anotaciones sobre sus hábitos y observó las costumbres de los nativos de las zonas que recorría. Tuvo que regresar en 1701 por haber contraído malaria. Como corolario de este viaje, María publicó su libro más importante, “Metamorfosis de los insectos de Surinam” (Metamorphosis insektorum Surinamensium) que fue traducido a varios idiomas y le valió la fama a nivel internacional.

Mariposa morpho menelao y granada, del libro "Metamorfosis de los insectos de Surinam"

Planta de ananá

Pasionaria

Planta de cacao

Maria realizaba sus grabados con una técnica de puntos y líneas, además del estilo crayon. Luego de pasar por la prensa, las láminas pasaban a un segundo plato, produciendo impresiones más luminosas que luego eran coloreadas a mano. En sus ilustraciones de flores prefería utilizar acuarelas sobre pergamino o vitela, logrando imágenes de gran naturalidad y frescura.

Tulipán loro, acuarela sobre vitela (soporte como el pergamino, realizado con fina piel de animal)

Tulipán, clavel y dos caracolas, acuarela sobre vitela, con filete de oro
Lirio azul

Banana

Maria Sibylla Merián murió en 1717, dejando un legado invaluable tanto al arte como a la ciencia. El Servicio Postal de los Estados Unidos le rindió homenaje al dedicarle dos estampillas con dibujos de su viaje a Surinam.

Escarabajo de cuernos grandes

Polilla emperador

Caimán con falsa coral sudamericana

Fuentes:

La Página de Maria Sibylla Merian con sus obras

Maria Sibylla Merian - Everything2

Maria Sibylla Merian - Wikipedia

Maria Sibylla Merian - Clara Database of Women Artists

Elisabetta Sirani (1638-1665)

2008-05-28T17:11:00.032-03:00

Autorretrato (1658) Museo Pushkin, Moscú

Bolonia es reconocida como la ciudad que produjo mayor cantidad de pintoras en el siglo XVII, hecho que se debe en parte a que allí la mujer logró muchos avances en el reconocimiento de sus derechos. Fue en este lugar donde nació Elisabetta, en el año 1638, y como la mayoría de las artistas de la época aprendió a pintar con su padre, Giovanni Sirani -seguidor del estilo de Guido Reni- aunque este en principio rechazara la idea de que su hija se convirtiese en pintora. Afortunadamente, la joven recibió el apoyo de quien luego sería su biógrafo, el conde Carlo Cesare Malvasia, comenzando su desarrollo como pintora en el año 1650.

A los 19 años Elisabetta comenzó a pintar como actividad profesional y pronto se hizo cargo del taller de su padre cuando se encontró incapacitado por la gota, una enfermedad que ataca las articulaciones. A través del arte, la joven pudo mantener a sus padres y sus tres hermanos.

Elisabetta trabajaba con asombrosa rapidez. Su taller llegó a ser visitado por amantes del arte de toda Europa, interesados en presenciar su proceso pictórico. Se cuenta que muchos dudaban que ella pudiera realizar con tanta rapidez una obra, por lo que llegó a convocar a los incrédulos el 16 de mayo de 1664 para que fueran testigos de su manera de pintar.

La pintura, el dibujo y el grabado no fueron las únicas actividades cultivadas por esta artista; también incursionó en la música y la poesía. En todos estos ámbitos desarrolló sus obras en torno a temas históricos y religiosos. También realizó retratos, pero lamentablemente ninguno ha sobrevivido, salvo sus autorretratos.

Un ejemplo de tema histórico es su obra “Porcia hiriéndose el muslo” (1664), que representa a la esposa de Brutus tratando de probar a su marido que es digna de su confianza, hiriéndose el muslo para demostrar su valentía, cualidad asociada comúnmente con los hombres. Esta es una escena de Julio César, como está contada por Shakespeare.

Porcia hiriéndose el muslo (1664) óleo sobre lienzo, Samuels & Company, NY

En su temática religiosa tuvo gran aprecio de la Iglesia, que luego de conocer sus aguafuertes le hizo varios encargos, entre los que se encuentra “El Bautismo de Cristo” para la iglesia de Certosini.

Virgen con el Niño

También la nobleza se interesó en el trabajo de Elisabetta. Entre sus clientes más prominentes se encuentra el Gran Duque Cosimo III de Medici. En 1644 pintó el retrato del Príncipe Leopoldo de la Toscana, y el Príncipe Heredero de la Toscana le encargó una Virgen.

El estilo de su pintura difiere un poco del de sus dibujos a lápiz y tinta, caracterizados por fuertes contrastes de luz y sombra. En concordancia con la escuela clásica boloñesa, en su pintura suaviza más los contrastes con sombras tostadas. La composición es simple, la pincelada rápida. Algunos califican su estilo como de tendencia decorativa y otros también han notado dificultades en sus dibujo anatómico, tal vez por no poder representar desnudos con modelos vivos.

Elisabetta tuvo una muerte temprana que sólo le permitió desarrollar una carrera de una década, en la que tuvo una producción de casi 200 obras. Tenía 27 años cuando comenzó a sufrir fuertes dolores estomacales que provocaron repentinamente su deceso. Su padre sospechó que había sido envenenada por una mucama celosa, a quien llevó a juicio, pero la muchacha fue absuelta. Una autopsia que se realizó ante testigos mostró varias úlceras perforadas en el estómago de Elisabetta. Hoy se cree que la presión bajo la cual trabajaba fue probablemente la causa de su enfermedad. Su funeral fue realizado con grandes honores, con un catafalco representando el Templo de la Fama que contenía una estatua de la artista sentada frente a su caballete, en tamaño natural.

Como legado, esta artista no sólo dejó sus obras. También tuvo el mérito de haber fundado una Escuela de Arte para mujeres a la temprana edad de 14 años, de donde surgieron varias pintoras profesionales, entre las cuales se encontraban sus dos hermanas menores, Anna María y Bárbara.

Alegoría de la música (1659) Óleo sobre lienzo. 99 x 73 cm.

Judith con la cabeza de Holofernes. Óleo sobre lienzo, 93 x 72 pulgadas

Ariadne. 208 x 170 cm. Moskau, Archangelsk-Museum

Fuentes:

Elisabetta Sirani - Wikipedia
Elisabetta Sirani - Everything2
Elisabetta Sirani -Clara Database of Women Artists
Elisabetta Sirani - Luisa Elena Betancourt

Claudine Bouzonnet-Stella (1636-1697)

2008-05-20T15:39:00.011-03:00

El sueño de San Martín (1666) óleo sobre lienzo, 82 x 64 cm.
Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia

Claudia, más conocida como Claudine, fue una de las sobrinas del pintor Jacques Stella (1596-1657), destacado, entre otras obras, por decoración del palacio del cardenal Richelieu y cuyos trabajos, clasificados dentro del clasicismo francés, de sobrio colorido y elegantes figuras, tenían una marcada influencia de Poussin, al punto que muchas de sus pinturas fueron vendidas posteriormente en forma malintencionada bajo la atribución a este autor.

El taller de Stella, que se constituyó en una empresa familiar, pasó luego de su muerte en 1657 a ser regenteado por los hijos de su hermana Madeleine: Claudine, nacida en Lyon en 1636, Antoine, Françoise y Antoinette. Todos se iniciaron en el grabado, realizando reproducciones de las obras de su tío, pero Claudine y su hermano Antoine llegaron a desarrollar carreras como pintores, aunque sólo recientemente sus trabajos han sido distinguidos de los de Jacques Stella. Claudine trabajó por un corto tiempo como artista principal del taller inmediatamente después del fallecimiento de su tío, hasta que Antoine regresó de Roma.

La obra de Claudine, recientemente objeto de mayor interés académico, en su mayor parte se basa en temas religiosos, tanto en pintura como en dibujo y grabado. Se presume que es de su autoría una "Anunciación" que se encuentra en la Catedral de Meaux, pintada probablemente en colaboración con Stella. También se le atribuyen los diseños de la segunda serie de "La Vida de la Virgen", que anteriormente habían sido considerados de Stella. Pero las pinturas identificables de Claudine son escasas, y su única obra firmada y fechada como “Claudia Stella 1666” que sobrevive en la actualidad es “El sueño de San Martín”, ubicada en Museo del Hermitage de San Petersburgo. Esta pintura ha sido de gran importancia para la atribución de otros trabajos a esta autora, como es el caso del “Nacimiento de la Virgen” que se muestra a continuación.

El nacimiento de la Virgen. Óleo sobre lienzo, 71 x 56 cm.
Colección particular

Sylvain Kerspern fundamenta la atribución de esta obra a Claudine en la similitud que hay, tanto en la composición como en el estilo, con un dibujo del mismo tema que se encuentra en el Fogg Art Museum de Cambridge, reconocido como uno de los trabajos preparatorios para la serie de "La vida de la Virgen". Existen también similitudes de los ángeles en primer plano con los ángeles que se encuentran a la derecha en la pintura “El sueño de San Martín”, y algunas características fisonómicas similares compartidas en ambas pinturas: narices inclinadas hacia abajo, ojos redondeados y somnolientos, labios ligeramente apretados con comisuras levantadas.

Se ha notado la destreza de esta artista en la composición y la calidad del diseño, claro y legible, así como la habilidad en la representación de las telas, aspectos que distinguen su obra de la de sus hermanos.

Claudine Bouzonnet-Stella murió en París, en el año 1697.

La Anunciación, obra de Claudine Bouzonnet-Stella y/o Jacques Stella
Óleo sobre lienzo. Catedral de Meaux

Fuentes:

La exposición de Jacques Stella en Lyon: desafíos y comentarios, por Sylvain Kerspern, 2006

Robert Simon Fine Art

Mary Beale (1633-1699)

2008-05-09T18:22:00.026-03:00

Autorretrato, de la colección de St Edmundsbury Borough Council Moyse's Hall Museum,
Bury St Edmunds. http://www.moyseshall.org

La pintora de retratos Mary Beale es considerada la primera artista inglesa en dedicarse a este oficio de manera realmente profesional. Nacida en Suffolk, fue hija de un clérigo puritano llamado John Cradock y quedó huérfana de madre a la edad de 10 años. Su padre era un pintor amateur que la puso en contacto con artistas locales como Nathaniel Thach, Metthew Snelling, Robert Walker y Peter Lely. A la edad de 18 años, cuando ya era retratista semiprofesional, contrajo matrimonio con Charles Beale, comerciante de ropas de Londres y también pintor aficionado. La pareja se mudó a Londres en 1654. Mary y Charles tuvieron dos hijos, Bartholomew y Charles.

Charles Beale (padre) (c. 1663) 24,1 x 21 cm. óleo sobre lienzo con formato octagonal

Hacia 1665 la familia comenzó a atravesar dificultades financieras tras haber perdido Charles su trabajo como empleado de Patentes y debido también a la gran peste que atacó a Londres. Tras mudarse a Allbrook, Mary tuvo que mantener a la familia dedicando tiempo completo a la pintura de retratos. En esta tarea le ayudaban su marido y sus hijos en la pintura de fondos y cortinas. Charles, además de preparar los lienzos y las pinturas, llevaba un minucioso registro de las cuentas, que es considerado sumamente valioso como fuente de información sobre aspectos relacionados al arte de esa localidad y época.

Autorretrato (ca. 1665) Óleo sobre lienzo, 109 x 87.5 cm
National Portrait Gallery, Londres (c) www.npg.org.uk

Autorretrato (c. 1675)

En estos autorretratos Mary Beale se presenta en sus facetas de madre y artista especializada en retrato,
al colocar la paleta colgada en la pared o sosteniéndola en su mano y al mostrar el retrato de sus hijos.
Este tipo de autorretrato era muy raro en Inglaterra.

Hacia 1670 la familia regresa a Londres y Mary establece un estudio con gran éxito, atrayendo gente muy influyente, entre los cuales se encontraban el poeta Samuel Woodford, el Arzobispo de Canterbury John Tillotson, el Obispo Edgar Stillingfleet. También se afianzó su amistad con el pintor de la Corte de Charles II, Sir Peter Lely, quien tuvo una gran influencia en su obra, ya que Mary tuvo la posibilidad de observarlo trabajar en su estudio e imitar el estilo de retrato de Corte que tenía características definidas tanto en la composición y la paleta utilizada como en la posición del modelo y la expresión del rostro.

Retrato de la Duquesa de Marlborough, óleo sobre lienzo, 76,2 x 64 cm

Retrato de Sir Nicholas Stuart, Bart
óleo sobre lienzo

Retrato de Thomas Fountaine

En 1677 los libros de Charles registran un año muy ocupado, con un total de 83 encargos y un ingreso total de £429. Su círculo de clientes se extendía a familiares, amigos, miembros de la nobleza y el clero.

Se conocen datos de que Mary tuvo dos alumnos hacia 1681, Keaty Trioche y Mr. More. También su asistente, Sarah Curtis, se dedicó después a su propia carrera en la pintura.

Retrato de una joven (c. 1681) Óleo sobre lienzo, 53,5 x 46 cm

Los problemas económicos de la familia no se solucionaron a pesar de la popularidad de Mary como retratista debido los grandes egresos en la compra de insumos y obras de arte y los gastos que implicaba atender a sus numerosos invitados y patrocinadores. En los últimos años de su carrera Mary experimentó con soportes más económicos -que incluían bolsas de cebollas, por ejemplo- y Charles realizó un detallado registro de estos experimentos y el resultado obtenido con los nuevos soportes e imprimaciones. El estilo de retrato de Corte comenzó a perder popularidad y la clientela de Mary se redujo considerablemente hacia 1680, bajando a un promedio de 39 encargos anuales. En el tiempo que no ejecutaba alguna comisión, Mary practicaba realizando pequeños estudios. Utilizó varios medios, que incluían el óleo, la acuarela y los pasteles. Trabajó hasta el año de su muerte, en 1699. Su hijo Bartholomew pintó retratos antes de dedicarse por completo a la medicina y Charles se dedicó a la pintura, especialmente de miniaturas.

En el año 1975 se realizó una retrospectiva de esta artista denominada “The Excellent Mrs. Mary Beale”, en el Geffry Museum de Londres.

Vizcondesa Frances Hatton (sin fecha) Atribuido a Mary Beale. Smithsonian American Art Museum

Fuentes:

Mary Beale - Everything2
Mary Beale - Wikipedia
Mary Beale - Clara Database of Women Artists

Maria Van Oosterwyck (1630-1693)

2008-04-30T18:21:00.020-03:00

Naturaleza muerta con flores (1680), óleo sobre lienzo, 62,8 x 53,3 cm.
Fitzwilliam Museum, Cambridge

En el siglo XVII fueron excepcionales los casos de mujeres que sin provenir de una familia de artistas se dedicaron profesionalmente a la pintura. Una de ellas fue María Van Oosterwyck, nacida en la ciudad de Nootdorp, cerca de Delft, Holanda, en 1630, quien, junto a Cornelia de Rijck y María van Pruyssen, tuvo un rol importante en la pintura holandesa, a pesar de que ninguna fue aceptada en el sindicato de pintores. Fue alentada en esta actividad por su padre, un ministro predicador de la Reforma holandesa.

Según el pintor y escritor sobre arte Arnold Houbraken (1660-1719), María estudió con el pintor de flores Davidsz de Heem (1606-1683/84). Como mujer dedicada profesionalmente a la pintura, tuvo que enfrentar el problema de conseguir un asistente, ya que los jóvenes preferían ser ayudantes de pintores varones y a pocas mujeres les permitía su familia realizar este tipo de tareas. Fue así que María entrenó a su criada de labores domésticas, Geertje Pieters, en la preparación de las pinturas y luego también le enseñó a pintar. Más tarde, Geertje llegó a vender sus propias pinturas. Fue ella quien relató a Houbraken una anécdota sobre las intenciones del pintor Willem van Aelst respecto a María. El viejo pintor, quien podía acceder al estudio de la artista desde la parte trasera de su casa, insistía en sus proposiciones amorosas. María había puesto como condición a su aceptación que él se sentara a pintar en el estudio de ella diez horas al día durante un año para poder hacer un seguimiento de sus hábitos de trabajo. Como Willem no cumplió con lo estipulado, María continuó viviendo soltera. El hecho, que se suponía había ocurrido en Delft, en realidad parece haber transcurrido en Ámsterdam, ya que un documento realizado por un notario público en 1767, publicado por el investigador Abraham Bredius (1855-1946), establece que ambos fueron vecinos en esta localidad.

María es más conocida por sus pinturas de temas florales, pero también incursionó en una clase particular de bodegón denominada “Vanitas” (Vanidad), muy común en la época barroca y especialmente en Holanda, que incluye objetos de alto valor simbólico. A este tema pertenece su primera obra fechada en 1668.

Vanitas, (c. 1668), 73 x 88,5 cm Museo Kunsthistorisches, Viena

Vanitas, bodegón, óleo sobre lienzo, 78 x 103 cm.

Así como la pintora Clara Peeters, María presentaba a veces su autorretrato reflejado en algún objeto a manera de firma. Sus bodegones contienen monedas, instrumentos musicales, vasos, insectos, frutas y flores. Sus arreglos se ubican sobre un fondo oscuro que contrasta con el colorido brillante de las flores, que incluyen generalmente tulipanes y algún girasol en lo alto de la composición.

Naturaleza muerta con flores (c. 1680) óleo sobre lienzo, 97 x 77 cm.

Los sindicatos de pintores de la época generalmente no permitían la afiliación de mujeres, sin embargo las empleaban en la producción de pinturas de bajo precio. Algunas vendían sus obras en la calle. A pesar de que María llegó a pintar en un nivel profesional, ganando más de 100 florines por pintura, sólo fue considerada “amateur bien pagada” por el gremio. La buena posición económica que logró alcanzar puede probarse por algunos hechos documentados: en 1666 prestó una gran suma de dinero a las hermanas Van Stralen en Delft; en 1675 y 1677 realizó grandes donaciones (1500 y 750 florines) para pagar el rescate de tres marineros prisioneros de piratas argelinos.

Entre los clientes de esta artista figuraron Luis XVI, quien compró una de sus pinturas con motivos florales, el emperador Leopoldo, el Rey de Polonia y William III de Inglaterra.

María permaneció activa en la pintura hasta el año de su muerte en 1693, a los 63 años, y aún así su producción no fue muy extensa debido a la complejidad de sus trabajos y a su manera de pintar muy lenta y detalladamente.

Florero con tulipanes, Rosa y otras flores con insectos (1669)

Flores y caracoles

Naturaleza muerta con flores y mariposas (1686) (Colección real, Reina Elizabeth II)

Naturaleza muerta con flores, insectos y caracol (1689) (Colección real, Reina Elizabeth II)

Naturaleza muerta con frutas y flores atadas con un lazo azul

Fuentes:
Maria Van Oosterwyck - Everything2
Maria Van Oosterwyck - Luisa Elena Betancourt
MvO

Josefa de Óbidos (1630-1684)

2008-04-06T21:29:00.026-03:00

Adoración de los Pastores, 1669, óleo sobre tela , 150 x 184 cm

Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa, Portugal

La pintora portuguesa más importante de la segunda mitad del siglo XVII fue Josefa de Ayala, luego llamada Josefa de Óbidos. Su padre, Baltazar Gómez Figueira, miembro de una familia en buena posición económica natural de Óbidos, se mudó a Sevilla para seguir la carrera militar, pero terminó trabajando como pintor en el taller de Francisco Herrera, el Viejo. En esa localidad contrajo matrimonio con Catarina de Ayala Camacho. Josefa nació en Febrero de 1630 y fue apadrinada por el pintor sevillano Francisco de Herrera. Tres años más tarde sus padres regresaron a Portugal y no se sabe con certeza si la niña se fue con ellos o se quedó junto a su padrino y su abuelo materno. Josefa tuvo siete hermanos, tres de los cuales fallecieron precozmente.

Hacia 1644 la joven se encontraba instalada en Coimbra, se supone que en el convento agostino de Sant’Ana, como “doncella emancipada de sus padres”, recibiendo educación religiosa y los primeros rudimentos artísticos, pero, por razones que se ignoran, no siguió el camino religioso a que apuntaba su vida en el convento. Su padre fue llamado a pintar en esta ciudad universitaria, donde realizó grandes obras caracterizadas por un fuerte naturalismo tenebrista que ejercieron mucha influencia en el trabajo de Josefa. Las primeras obras de la artista, realizadas en Coimbra en el ambiente conventual, como los grabados de “Santa Catalina” y de “San José”, de 1646, muestran su destreza manual, y sus trabajos pintados sobre cobre, “Casamiento Místico de Santa Catalina” (Museos de Lisboa y Porto) y “San Francisco y Santa Clara adorando al Niño” (1647, colección particular), evidencian su ya desarrollada habilidad con el pincel en la elaboración de este tipo de miniaturas y su buen manejo del contraste de claroscuros, siguiendo los cánones de la pintura sevillana bajo la orientación de su padre.

El casamiento místico de Santa Catalina, 1647
Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa

Josefa regresa a Óbidos con su familia y en 1653 realiza un grabado alegórico de la “Sabiduría” para los nuevos Estatutos de la Universidad de Coimbra y pinta el “Pentecostés” destinado al altar de Sé Nova de Coimbra, trabajo de gran precisión y delicadeza en la pincelada. Realiza también una serie de miniaturas excelentes en las que ya se nota un estilo particular en los rostros, manos y tejidos, lo que hará que luego su pintura sea bastante identificable, pero que será repetido como fórmulas hasta el cansancio en algunos trabajos tardíos.

Sus obras combinan temas religiosos y profanos con misticismo, sensualidad e ingenuidad. Se habla de una influencia en su trabajo de Francisco de Zurbarán; aunque en realidad Josefa no tuvo ninguna conexión directa con la pintura española del Siglo de Oro, lo cierto es que Baltazar poseía gran cantidad de cuadros y estampas que tal vez incluyeran algunos originales de maestros andaluces. Un inventario de sus bienes de 1675 registra dos cuadros con Corderos Pascuales del estilo zurbaranesco y, de hecho, Josefa realizó varias versiones del tema del Agnus Dei en las que el Cordero Pascual recuerda el modelo de Zurbarán.

Cordero Pascual. 1660-70, óleo sobre tela, 88 x 116 cm
Museo Regional Évora, Portugal.

Entre sus naturalezas muertas, muy apreciadas tanto en su época como por los coleccionistas posteriores, se encuentran las de los “Meses”, de 1668, distribuidas en colecciones particulares, las de la biblioteca Anselmo Braancamp Freire en Santarém, de 1676, las de la Casa-Museo de los Patudos en Alpiarça, del mismo año, y las del Museo Nacional de Arte Antiguo y de la Colección Armando Patrício, obras que revelan una relación sensible con las cosas simples, libre de simbolismos complejos, interpretadas de una manera espontánea y personal, casi “sin escuela”.

Mes de marzo, 1668

Naturaleza muerta con dulces, terracota y flores (1676), óleo sobre lienzo, 80 x 60 cm,
Santarém, Biblioteca Municipal Anselmo Braamcamp Freire

Naturaleza muerta, Cesta con cerezas, quesos y barros, c. 1670-1680, óleo sobre tela, 50 x 110 cm
Colección Particular Lisboa, Portugal.

Como retratista recibe alabanzas de varios autores antiguos (Froes Perym, Murphy, Garett). Una muestra es su excelente “Retrato del Beneficiado Faustino das Neves” (c.1670, museo de Óbidos), que la ubica como una notable representante del género en el Barroco portugués.

El estilo de Josefa parte de la influencia del naturalismo tenebrista de Baltazar y adquiere una personalidad propia, siendo definido como “sui generis”, reflejo de una particular intuición poética, de paleta suelta y libre de imposiciones académicas.

Luego de la muerte de su padre, en 1674, probablemente Josefa haya tenido necesidad de realizar con más frecuencia encargos públicos para mantener a su anciana madre y dos sobrinas huérfanas que vivían con ella. Esta podría ser la razón por la cual algunos de sus trabajos de temas religiosos y bodegones tardíos presentasen cierta dureza en la composición y cansancio en la pincelada.

Josefa murió en Óbidos en 1684, a los 54 años, y fue enterrada en la iglesia de San Pedro. Su historia estuvo cubierta de leyendas, incertidumbres y errores, como el hecho de considerarla discípula de Zurbarán, haber viajado por Italia o Flandes, o haber sido una pintora de corte. Su relevancia como representante del naturalismo y tenebrismo barroco “provincial” en los géneros de la naturaleza muerta, en los retablos sacros, el retrato, el grabado al buril y la miniatura en cobre motivaron al Instituto Portugués de Patrimonio Cultural y a la Galería de Pintura de Rei D. Luiz a preparar una exposición retrospectiva, para lo cual se debió realizar una exhaustiva investigación en archivos y colecciones portuguesas y españolas, un análisis metódico de obras tradicionalmente atribuidas a ella y una restauración científica de las pinturas que incluyó la muestra. El valor monetario de sus trabajos se ha acrecentado notablemente: uno de sus cuadros que fue vendido por 5.500 € en 1970, veinte años después volvía a ser puesto a la venta por 200.000 €.

San Bernardo y la Virgen (aprox. 1660-70) óleo sobre tela

Natividad, 1650-60, óleo sobre cobre, 21 x 16 cm. Colección particular, Porto, Portugal

Anunciación, 1676, óleo sobre tela, 107 x 88 cm.

Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa

San José y el Niño, c. 1670, óleo sobre tela, 71 x 41 cm
Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa, Portugal

Abisag (bella doncella sunamita que servía al rey David)

Fuentes

Josefa de Óbidos, Everything2

Josefa de Óbidos, Wikipedia

Josefa de Ayala, Luisa E. Betancourt

Josefa de Ayala, o Barroco de Óbidos

Josefa de Óbidos

Catálogo de obras de Josefa de Óbidos

Orsola Maddalena Caccia (1596-1676)

2008-03-09T12:35:00.013-02:00

El arcángel Gabriel, óleo sobre lienzo, 64 x 82 cm.

No son pocos los ejemplos de monjas que desarrollaron su obra pictórica en los conventos. Entre ellas se encuentra Orsola Maddalena Caccia, nacida en Moncalvo, Italia, en el año 1596 con el nombre de Theodora, hija del pintor Guglielmo Caccia, conocido también como Il Moncalvo. Al ingresar en el convento de las Orsolinas de Bianzé, un municipio del norte de Piamonte, Italia, cambió su nombre por Orsola Maddalena. En 1625 se trasladó a un convento dedicado a Santa Orsola que su padre fundó en Moncalvo, donde se convirtió en abadesa. Tenía dos hermanos y cinco hermanas, cuatro de las cuales también tomaron los votos religiosos.

Orsola aprendió a pintar con su padre, a quien al principio ayudaba a colorear y realizar las figuras secundarias de sus obras. Ella y su hermana Francesca se dedicaron a la pintura, organizando el estudio del convento donde se enseñaba a las novicias y se tomaban encargos externos. Dos alumnas de Orsola ingresaron al convento sin aportar las dotes requeridas por el hecho de tener habilidades artísticas prometedoras que significaban beneficios económicos para la orden. Francesca murió joven, a los 26 años, y Orsola tuvo más tiempo de perfeccionar su arte durante su vida, que duró ochenta años.

Orsola se dedicó especialmente a la pintura de naturalezas muertas, además de realizar imágenes devotas y retablos. Su estilo en los bodegones es similar al de la pintura arcaica flamenca o nórdica, especialmente de Ludger Tom Ring el Viejo y Georg Hoefnagel, presentando una estructura compositiva simple y equilibrada, con cada elemento ubicado cuidadosamente, con énfasis en la verticalidad, especialmente en las obras con motivos florales. Suele incluir en sus bodegones trozos de frutas y un animal, generalmente un pájaro o un insecto.

Bandeja con frutas y codorniz, óleo sobre tela, 41,5 x 51,5

Naturaleza Muerta

Jarrón con flores

También en las imágenes religiosas incluye naturalezas muertas. Se dedicaba además a la elaboración de otros objetos de devoción y obras de pequeño formato de un estilo de gran delicadeza heredado de su padre. Estas obras se encuentran en colecciones particulares, en palacios, museos e iglesias de Piamonte y se reconocen por la firma que distingue a la pintora, constituida por una flor o un ramo. Entre sus encargos más importantes figuran el retablo que representa el “Matrimonio místico de la beata Osanna Andreasi” (1648), en la iglesia de Carbonarola, Mantua, y el retablo de “San Juan el Bautista” (1644), en la iglesia de San Martino y Stefano, Montemagno.

Orsola Maddalena Caccia murió el 26 de julio de 1676. Sus obras participaron de la muestra denominada “Naturaleza muerta lombarda”, en el Palacio Real de Milán, Italia (1999-2000). Su pintura “La Nasita Della Vergine” (Pinacoteca Malaspina, Musei Civici) se expuso en Washington, en el National Museum of Women in the Arts (NMWA) en la muestra denominada “Mujeres artistas italianas desde el Renacimiento al Barroco”, realizada en el 2007.

Virgen con el niño, óleo sobre lienzo, 67 x 54,5 cm.

Fuentes:

Clara Database of Women Artists (NMWA)

L'Araba Felice

Lucrina Fetti (ca. 1590- ca.1650)

2008-02-14T16:55:00.010-02:00

Santa Bárbara (1619) óleo sobre lienzo, 152 x 97 cm.
Colección Claudio Strinati Collection, Roma

El ingreso en los conventos de mujeres con cualidades para el arte, o que tenían parientes artistas, no era un hecho extraordinario en la época de la Contrarreforma. Las monjas pintoras no sólo podían embellecer el convento con sus obras; también podían proveer ingresos a la institución con la realización de sus encargos. Tal fue el caso de una pintora manierista nacida bajo el nombre de Giustina Fetti, quien al ingresar a la orden del Convento franciscano de Sant’Orsola de Mantua, el 3 de diciembre de 1614, tomó el nombre de Suor Lucrina Fetti. Su fecha de nacimiento está calculada, basándose en ese dato, cerca del año 1590. Su padre fue un pintor poco conocido llamado Pietro Fetti y su hermano Domenico también fue pintor.

Lucrina vivió su infancia en Roma, y es probable que recibiera su educación artística de su hermano Domenico, quien fue invitado a pintar en la corte del duque Ferdinando I Gonzaga en Mantua, donde fue acompañado por ella. El duque aportó la dote para que la pintora pudiese ingresar al convento de Sant'Orsola. Luego de la partida de su padre a Venecia en 1622, Lucrina se dedicó a la actividad artística por completo. Trabajó en el estudio de su hermano, pintó retratos de la familia Gonzaga y se dedicó especialmente a la representación de temas religiosos para el convento. En los retratos femeninos de la familia Gonzaga se destacó en la elaboración de los suntuosos vestidos de brocado, enriquecidos con finas joyas. Es característica la postura en tres cuartos de las modelos, y sus rostros son realistas, aunque sin llegar a indagar en la expresión al punto de hundirse en la psicología de los personajes, como puede verse en otras obras del período barroco.

Eleanor Gonzaga (1598-1655), esposa de Ferdinando II (1578-1637)

Aunque Lucrina no tuvo las mismas oportunidades para estudiar la figura humana que su hermano Domenico, su pintura demuestra lo que ella pudo aprender a través de la atenta observación. Sus obras religiosas se circunscriben a un manierismo tardío y muestran una teatralidad emotiva acorde con el espíritu de la contrarreforma religiosa.

Arcángel Gabriel de la Anunciación

Anunciación

Lucrina Fetti se mantuvo activa en la pintura hasta la fecha de su muerte, según manifiesta el biógrafo Filippo Balducinni en su obra Notizie de’professori del disegno da Cimabue in qua (1681-1728). Falleció alrededor de 1650. Una prueba del respeto que tuvo la familia Gonzaga por Lucrina es el hecho de que Giovanni Alessandro Martinelli, quien disertara en los funerales de algunos de los duques de Mantua, fuese el encargado de leer la oración fúnebre en homenaje a la pintora, como también lo hiciera en el funeral de Domenico en 1623.

Fuentes
L’Araba Felice, Dominae
Clara Database of women artists

Louise Moillon (1610-1696)

2008-02-11T14:08:00.000-02:00

Bodegón con cuenco con naranjas del Curaçao (1634)

Una importante pintora dentro del género del bodegón en Francia fue Louise Moillon. Nacida en París, en el año 1610, fue hija de un pintor de paisajes y retratos llamado Nicolas Moillon que se dedicaba también al comercio de cuadros en la feria de Saint-Germain-des-Prés, la cual contaba también con un gremio de pintores donde acudían artistas holandeses. Louise tuvo seis hermanos del mismo padre, quien murió en 1619. Su madre volvió a casarse un año más tarde con un pintor de bodegones y marchante de arte, François Garnier, con quien tuvo tres hijos más.

No se conoce con certeza quién enseñó la técnica pictórica a Louise. Teniendo en cuenta que su padre falleció cuando ella tenía sólo diez años, es probable que su maestro fuese su padrastro, de quien se conocen solamente dos obras firmadas. Al parecer, fue superado ampliamente por su alumna, cuyas obras presentan gran influencia de Jacques Linard en el estilo, la composición y los temas. También se han notado coincidencias entre su pintura y la de René Nourisson.

Los bodegones de Louise Moillon no son tan sofisticados como los que realizaban los artistas holandeses; los de ella presentan una estética más sosegada y silenciosa. En sus composiciones despliega frutas y hortalizas sobre una mesa, dispuestas sobre canastas o recipientes de fina porcelana, con gran precisión en el detalle. Los elementos están tomados desde un punto de vista elevado. Sus obras presentan notorios cambios en el transcurso de su desarrollo. Al principio, las composiciones eran simétricas y sencillas, con los objetos separados y con una iluminación uniforme. En sus trabajos de 1637 los elementos están colocados en forma superpuesta de manera más natural, la riqueza del colorido es mayor, sobre todo en las tonalidades verdes, y la luz es más focalizada. Sus últimos trabajos presentan una disminución en la destreza y la sensibilidad estética.

Bodegón con cerezas, frutillas y uvas (1630) Fundación Norton Simon

Bodegón con frutas (1635-1640) oleo sobre lienzo, Grand Rapids Art Museum

Louise Moillon también realizó cuadros con flores y frutas y en algunos incluyó la figura humana, como es el caso de “La vendedora de frutas y legumbres”, fechado en 1630. Se dice que este cuadro, que muestra dos mujeres, la de la izquierda de clase social elevada y a la derecha una joven vendedora, esconde un mensaje moral en el simbolismo de sus elementos. La manzana que sostiene la dama compradora en una mano representa la fruta del Árbol del conocimiento del Bien y del Mal en el Génesis. El mismo personaje destapa con la otra mano los albaricoques, que simbolizan el sexo femenino. Los albaricoques, las ciruelas y espárragos se relacionan con los placeres de los sentidos. Las uvas y guindas son símbolos de Cristo, las frutillas, primeras frutas de la primavera, representan la Resurrección. También pueden verse cáscaras de manzana enroscadas en la mesa, con algunas moscas, que representan la corrupción. En conjunto, se dice que esta obra plantea al espectador el tema de la elección entre el bien y el mal. Otra pintura representa una escena de mercado similar, con la incorporación de un personaje más.

La vendedora de Frutas (1630)

Escena de mercado (1629)

La mayor parte de la obra de Louise Moillon está fechada entre 1629 y 1637, con excepción de una obra de 1641 realizada conjuntamente con Pieter van Boekel y Jacques Linard (una pintura de grandes dimensiones con frutas y flores, según mencionara el poeta Georges de Scudéry) y otros trabajos que datan de 1674. La madre de Louise registró un inventario de sus obras en el que figuran veintidós, nueve de ellas inacabadas, como si se tratara de apuntes. En este inventario no figura una de sus pinturas, fechada entre 1629 y 1630. Durante su carrera artística Louise tuvo encargos de importantes miembros de la nobleza. Uno de sus compradores más importantes fue el rey Carlos I de Inglaterra.

Louise contrajo matrimonio en el año 1640 con un comerciante de maderas llamado Etienne Girardot de Chancourt y tuvo tres hijos. Después de esta fecha produjo muy poco. Tras implementarse el Edicto de Nantes, los que practicaban la religión protestante, como era el caso de la familia de Louise, tuvieron serios problemas; uno de los hijos de la pintora tuvo que convertirse al catolicismo y los otros tuvieron que huir a Londres.

Louise murió en París, en el año 1696. Hoy sus pinturas se encuentran en colecciones de varios países, como Inglaterra, Estados Unidos, Alemania, España y Francia. La reina Isabel II de Inglaterra posee cuatro pinturas de esta artista en su colección.

Copa de cerezas, ciruelas y melones (1633) Museo de Louvre

Canasta con frutillas y canasta con ciruelas (1632) Portland Art Museum, Oregon

Canasta con duraznos y uvas

Uvas, manzanas y melones (1630) 53 x 71 cm. Instituto de Arte, Chicago

Fuentes

Museo Thyssen-Bornemisza, La colección

Galería Louise Moillon, Renowned Art

Louise Moillon, La vie silencieuse

Louise Moillon, por Wendy Owen, Fine Art Reserch, Art Experts Inc.

Judith Leyster (1609-1660)

2008-02-02T12:48:00.000-02:00

Autorretrato, (c.1635) óleo sobre lienzo, 72.3 x 65.3 cm
National Gallery of Art, Washington
(Obra con la cual Judith Leyster logró su admisión en el gremio de pintores de Haarlem)

En un importante período de la pintura holandesa dominado por Frans Hals, Rembrandt y más tarde Vermeer, en el gremio de pintores de San Lucas de Haarlem, figuraron dos mujeres. Una de ellas, admitida en 1633, era Judith Jans Leyster, la octava hija de un cervecero y sastre llamado Jan Willemsz Leyster, nacida en esta localidad en el año 1609. Cuando tenía quince años, la hostería que regenteaba su padre quebró y Judith tuvo que dedicarse a la pintura como oficio. No se conoce mucho sobre su formación artística, pero a los dieciocho años ya era reconocida como pintora. Del libro de Samuel Ampzing, publicado en 1628 y titulado “Descripción y elogio de la ciudad de Haarlem”, se deduce que pudo haber sido alumna del pintor Pietersz Frans de Grebber.

Judith Leyster realizó retratos, bodegones y desarrolló también la pintura de género, que se entiende como la representación realista de escenas de la vida cotidiana en ámbitos como la familia, la calle, las fiestas, las tabernas y los paseos campestres, temas de gran demanda entre los miembros de la burguesía holandesa. Las pinturas de Judith muestran la influencia de Frans Hals y su hermano Dirck. No se sabe bien cuál fue la relación profesional que tuvo la pintora con Frans Hals, pero se supone que pudo ser su alumna o una colega con cierto grado de amistad. Una Judith Jans figura como testigo del bautismo de María, la hija de Frans Hals, lo que podría establecer algún vínculo. La semejanza entre sus obras es notable, y en algunos casos son adaptaciones de Judith de obras de Hals, como ocurre con el bufón tocando el laúd (“The jester” o “El bufón”, obra de Judith Leyster, es muy similar a “Jester whit a lute”, o “Bufón tocando el laúd” de Hals) Sin embargo, en las escenas domésticas que muestran mujeres y niños, la artista logró un estilo más personal, que no se vería en la pintura holandesa hasta mediados del mismo siglo.

El bufón (The Jester) Rijksmuseum, Ámsterdam

En 1628 su familia se mudó a Vreeland, donde su pintura tuvo influencias de los caravaggistas de Utrecht y otros pintores de género, como Hendrick Terbrugghen y Gerrit van Honthorst. Judith introdujo en Haarlem la modalidad de utilizar una fuente de luz visible en un escenario oscuro, como puede verse en “La Proposición”, donde la luz de la lámpara ilumina la escena en la que el hombre ofrece dinero a una mujer que se supone es una prostituta, si bien en esta obra la fémina no parece estar alentando las acciones del hombre ni tener una actitud seductora. Este era un tema bastante común entre los caravaggistas.

La proposición (1631) óleo sobre lienzo, Mauritshuis, La Haya

Un hecho fuera de lo común en la época es que esta pintora tenía su propio taller, donde también se dedicó a la enseñanza y tuvo alumnos varones. Entre ellos figuran Willem Wouters, Hendrick Jacobsz y David de Burrij, aunque no hay evidencias de trabajos que ellos hayan producido.

Luego de contraer matrimonio en 1636, la actividad artística de Judith decreció drásticamente. Ella y su marido se mudaron a Ámsterdam y tuvieron cinco hijos. Sus trabajos conocidos posteriores a 1635 son un par de ilustraciones en un libro sobre tulipanes, de 1643, y un retrato fechado en 1652. Su marido, Jan Miense Molenaer, también fue pintor. Se dice que su talento no alcanzaba al de ella, pero tuvo una producción más numerosa. Es probable que ella le ayudase en su trabajo, además de dedicarse a la crianza de los hijos y administrar las rentas de algunas propiedades que poseían en Haarlem y Ámsterdam.

En 1648, Theodore Schrevel, autor de un libro sobre Haarlem, elogia la obra de esta artista y hace un juego de palabras sobre su nombre, llamándola “Ley sterr” -“estrella principal”- en el arte. Judith utilizó esto en su monograma, que muestra sus iniciales entrelazadas con una estrella de cinco puntas.

En 1549, la artista y su familia regresaron a Haarlem, donde Judith murió en el año 1660. Fue apreciada por sus colegas contemporáneos, pero luego de su muerte cayó en el olvido y no fue mencionada ni siquiera en fuentes inmediatamente posteriores. Su monograma era considerado ilegible hasta un caso que llegó a los estrados judiciales en el año 1893, cuando en la obra que muestra una pareja bebiendo y tocando música, que se creía era de Frans Hals, se determinó que las iniciales del monograma eran J L, en lugar de F H. Luego de este hallazgo, que marcó un giro en su reputación artística, se encontraron otras pinturas con el mismo monograma que habían sido erróneamente atribuidas a Hals y otros, como ocurrió con la obra “Joven tocando la flauta”, que se consideraba obra de Jan de Bray.

Pareja feliz (Carousing couple) (1630) Museo del Louvre, París

Joven tocando la flauta (c. 1635) óleo sobre lienzo Nationalmuseum, Estocolmo

En 1993 se realizó una retrospectiva de la artista en el National Museum of Women in the Arts de Washington con la que se estableció su merecido lugar en la historia del arte.

El concierto (ca. 1633) National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

Serenata (1629) óleo sobre tabla, 46 x 35 cm Rijksmuseum, Ámsterdam

Jolly Toper (1629) óleo sobre lienzo, 89 x 85 cm Frans Hals museum, Haarlem
Un niño y una niña con un gato y una anguila, óleo sobre tabla, 59 x 49 cm
National Gallery, Londres

Fuentes:

Judith Jans Leyster, Wikipedia
Judith Leyster, Everything2
Clara Database of women artists, Library and Reserch center, National Museum of women in the arts
Judith Leyster: A Woman Painter in Holland's Golden Age by Frima Fox Hofrichter
Clement, Clara Erskine, Women in the fine arts, from the Seventh Century B.C. to the Twentieth Century A.D., Clara Erskine Clement

Giovanna Garzoni (1600-1670)

2008-01-25T15:35:00.000-02:00

Autorretrato (ca. 1650) Acuarela sobre papel. 49,5 x 38 cm.

La italiana Giovanna Garzoni fue, en su época, una exitosa pintora de miniaturas que desarrolló especialmente el género de la naturaleza muerta, aunque también incursionó en el retrato y los temas religiosos. La artista, nacida en Ascoli Piceno en el año 1600, no fue hija de un pintor como solía suceder con las mujeres que llegaron a dedicarse a esta actividad, pero sus progenitores, Giacomo Garzoni e Isabetta Gaia, venían de familias de artesanos. Su talento fue descubierto cuando era aprendiz de un farmacéutico de su pueblo. Una carta escrita por ella en 1620 revela que fue entrenada en la pintura por Giacomo Rogni.

La pintora contrajo matrimonio en 1922 con un artista veneciano llamado Tiberio Tinelli, pero, como ella había hecho votos de castidad, este matrimonio duró sólo dos años.

Su primera pintura firmada fue una “Sagrada familia”, realizada cuando tenía 16 años. Otro de sus más tempranos trabajos fue un libro de caligrafía adornado con frutas, pájaros y flores, que fue publicado en 1625.

A los treinta años Giovanna abandonó Venecia para trasladarse a Nápoles con su hermano. En esta ciudad trabajó bajo el mecenazgo del Duque español de Alcalá, pero en sus cartas expresa que allí no era feliz, y al retornar el duque a España la artista se mudó a Turín, aceptando una invitación del Duque de Saboya. En este sitio trabajó durante cinco años y en 1640 viajó a Florencia, donde trabajó para la Corte de los Medici, pintando varios bodegones para el Gran Duque Ferdinando II.

Hacia el año 1654 la artista se trasladó a Roma donde fue miembro de la Accademia di San Luca (asociación de artistas fundada en 1593), hecho fuera de lo común en esa época ya que no era costumbre admitir mujeres, pero consta en los registros que recibió los mismos beneficios que sus pares masculinos.

La obra de Giovanna Garzoni muestra la influencia de Jacopo Ligozzi, pintor, ilustrador y miniaturista que también desarrolló una obra descriptiva de la fauna y la flora de carácter casi científico Este tema era de gran interés para los Medici, especialmente el duque Ferdinando II y su hermano, el cardenal Leopoldo. Muchos de los trabajos de Giovanna que hoy han sobrevivido y se encuentran en diferentes museos provienen de la colección cuidadosamente conservada por el Duque Ferdinando II y su esposa, la Gran Duquesa Vittoria della Rovere. Casi 40 obras suyas han sido rastreadas en colecciones florentinas y otras fueron registradas en los inventarios de los Medici de los siglos XVII y XVIII.

Las miniaturas de Giovanna, realizadas sobre una especie de pergamino hecho de fino cuero con pintura de acuarela o gouache, muestran una interesante simbiosis entre la convencional naturaleza muerta y el estudio científico botánico. La utilización de un medio acuoso en lugar del óleo les otorga una frescura y ligereza especial. Detalles que dan vitalidad a estas composiciones son la inclusión de insectos y los efectos de luz y sombra, que crean una interacción entre los elementos representados.

Gracias a la Accademia di San Luca, que guarda excelentes registros, se pueden conocer detalles de la vida de esta artista, lo que fue de gran importancia, puesto que en su época sólo se hizo una breve mención sobre ella en Meraviglie dell’Arte de Carlo Ridolfi, obra del año 1648. Hay que tener en cuenta que el género que desarrolló era considerado de menor importancia por los historiadores del arte, frente a la figura humana y los temas religiosos. Posteriormente, Lione Pascoli, en su obra Vite (1730-1736) escribe que esta artista tuvo la posibilidad de poner el precio que quisiera por su arte. El éxito con sus clientes le permitió tener una gran independencia económica y algunos mencionan que por este motivo pudo retirarse a la edad de 43 años. Giovanna murió en febrero de 1670, dejando un legado de sus posesiones y una suma de dinero a la Accademia di San Luca, con la condición de que la enterrasen en su iglesia Santi Luca e Martina, donde se le erigió un monumento realizado por Mattia De Rossi, completado en 1698. La artista fue prácticamente desconocida hasta que en 1964 se realizó una exposición de naturalezas muertas en Italia que mostraba algunos de sus trabajos.

Plato con higos

Flores en florero Ming

Frutas y jazmín en un plato

Cesto de frutas

Bodegón con rodaja de melón

Erizo, caracol y frutos

Bodegón con frutas, calavera y botella

Fuentes:

Clara database of Women Artists, National Museum of Women in the Arts
Giovanna Garzoni, en everything2

Giovanna Garzoni, de Wikipedia

Giovanna Garzoni, por Luisa Elena Betancourt

El país.com/La comunidad, Quadretti in cartapeccora de Giovanna Garzoni...Frutas y jazmín en un plato

Bibliografía sobre Giovanna Garzoni:
Giovanna Garzoni: "Insigne miniatrice", 1600-1670, de Gerardo Casale

Artemisia Gentileschi (1593-1656)

2008-01-18T15:57:00.002-02:00

Autorretrato como mártir (1615) Colección privada

El 8 de julio de 1593 nació en Roma Artemisia, la hija del pintor barroco Orazio Gentileschi, seguidor del estilo de Caravaggio. La niña perdió a su madre a los doce años y quedó al cuidado de su padre, quien la guió en el arte de la pintura, mostrándole el trabajo de los artistas de Roma y enseñándole la técnica del contraste de luz y sombra (chiaroscuro) característico del tenebrismo, que tuvo gran influencia en su obra, si bien ella llegó a tener una manera muy personal de enfocar los temas.

Algunos mencionan como su primera pintura a "La Virgen" fechada en 1609 que se encuentra en la Galería Spada. Otros dicen que la primera fue "Susana y los Ancianos", firmada a los diecisiete años. Se habla ya de una influencia del estilo de Caravaggio en esta obra, pero se acerca más a la técnica clásica de la escuela de Bologna.

Susana y los ancianos (1610) Colección Schönborn, Pommersfelden

Algunas fuentes indican que a los 19 años Orazio la puso bajo la instrucción del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva, ya que las escuelas de Bellas Artes no permitían la inscripción de mujeres. Otras cuestionan que este pintor -que trabajaba en ese momento junto a su padre en la decoración de las bóvedas del Casino Della Rose del Palacio Pallavicini Rospigliosi- haya sido su maestro, teniendo menor talento artístico que Orazio y la misma Artemisia. En 1612, Tassi violó a Artemisia e intentó calmar la situación con promesas de matrimonio que no se cumplieron, ya que resultó ser casado, por lo que Orazio inició un juicio en su contra ante el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue tremendamente humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato. En el transcurso se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto, nunca antes representado de esta manera. Su padre y Agostino Tassi volvieron a ser amigos y trabajar juntos cuando este último recuperó la libertad, hecho que se sumó al dolor y la humillación de Artemisia.

Judith decapitando a Holofernes (1612-1613), Museo de Capodimonte, Nápoles

En 1614 Artemisia y su marido se mudaron a Florencia, donde la artista fue la primera mujer en ser admitida en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo), pudo relacionarse con artistas reconocidos, conseguir el patronazgo de personas importantes, como el duque Cosimo II de Médici y la duquesa Cristina, y tuvo una buena relación con Galileo Galilei. Ganó también la admiración de Buonarroti el Joven (sobrino de Miguel Ángel) que le encargó una pintura para el techo de la galería de la Casa Buonarroti, una Allegoria dell’inclinazione (Alegoría del talento natural), que era representada por una mujer desnuda sosteniendo una brújula, pero posteriormente, el heredero de Buonarroti el Joven contrató a Voltarrone para pintar unos paños que cubrieran el desnudo. Probablemente de esta época son también “La conversión de la Magdalena”, “Judith con su doncella”, que actualmente están en el Palacio Pitti, y otra “Judith Decapitando a Holofernes” que es considerada su obra maestra, de mayores dimensiones que la anterior, con los rasgos de su rostro en Judith y de Tassi en Holofernes, hoy ubicada en la galería de los Uffizi.

La conversión de la Magdalena (1615-1616) Palacio Pitti, Florencia

Judith decapitando a Holofernes (1614-20) Óleo sobre lienzo 199 x 162 cm.
Galleria degli Uffizi, Florencia.

En Florencia, Artemisia tuvo cuatro hijos y una hija. Su éxito como pintora no compensó las dificultades de la mala administración financiera, sumadas a problemas con su esposo. Se supone que por estas razones la pintora regresó a Roma con su hija Prudenzia. Además de esta hija, tuvo otra natural nacida probablemente en 1627. En Roma pudo formar parte de la Accademia dei Desiosi, siendo celebrada con un retrato grabado con la dedicatoria “pincturare miraculum invidendum facilius quam imitandum”.

A pesar de los honores, Roma no fue muy rentable para la artista, por lo que se trasladó a Venecia entre 1627 y 1630, donde está documentado que recibió grandes homenajes alabando la calidad de su pintura. Es probable que de este período sea el “Retrato de un gonfaloniere”, único ejemplar de retrato, actualmente en Bolonia, “Judith con su doncella”, que muestra su maestría en los efectos de iluminación con velas, hoy en el Detroit Institute of Arts, la “Venus durmiente” y “Esther y Asuero”, obra que muestra la influencia de la iluminación de la escuela veneciana, hoy ubicada en el Metropolitan Museum of Art.

Retrato de un confaloniero (1622) Palacio de Accursio, Bolonia

Judit y la sirvienta con la cabeza de Holofernes, óleo sobre tela 184x142 cm. The Detroit Institute of Arts.

Esther y Asuero, Metropolitan Museum of Art

En 1630 viajó a Nápoles, donde permaneció por el resto de su vida, exceptuando una breve residencia en Londres. Fue muy apreciada por personalidades como el Virrey Duque de Alcalá y los artistas que allí residían, sosteniendo una gran amistad con el pintor Máximo Stanzione. Allí pintó la “Anunciación” que se encuentra en el Museo de Capodimonte, y por primera vez recibió encargos de cuadros para una catedral, dedicados a San Genaro en el Anfiteatro de Pozzuoli. Pintó también el “Nacimiento de Juan Bautista” que se halla en el Museo del Prado y “Corisca y el sátiro”.

Nacimiento de San Juan Bautista (1633-1635) Museo del Prado

En su breve período en Londres, donde fue en 1638 a reunirse con su padre en la corte de Carlos I de Inglaterra, ayudó a Orazio a decorar un techo en la Casa delle Delizie de la reina Enriqueta María de Francia en Greenwich con una alegoría del “Triunfo de la Paz y de las Artes”. La colección de Carlos I incluye un “Autorretrato como la Alegoría de la Pintura” de Artemisia.

Autorretrato como la Alegoría de la Pintura

Orazio murió en 1639 y Artemisia abandonó Inglaterra hacia 1642, justo cuando allí se iniciaba la guerra civil. Vivió sus últimos años en Nápoles, donde se pensaba que había muerto hacia 1652 o 1653, pero recientemente se han encontrado registros de que todavía recibía encargos en 1654, aunque ya dependía para ejecutarlos de su asistente Onofrio Palumbo. Algunas obras de este período son una nueva versión de “Susana y los Ancianos”, hoy en la Moravská Galerie de Brno, y “Virgen con el Niño y un Rosario”, que se encuentra en el Escorial.

Es probable que la artista haya muerto durante la plaga que hubo en Nápoles en 1656, y fue prácticamente olvidada después de su fallecimiento. Roberto Longhi, en un ensayo titulado “Gentileschi, padre e hija” del año 1916 manifiesta sobre Artemisia que fue “la única mujer en Italia que alguna vez supo algo sobre pintura, colorido, empaste y otros fundamentos”. Las expresiones de Longhi, aunque tienen un tinte machista y son totalmente cuestionables, puesto que anteriormente existieron otras pintoras exitosas, como Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana y Fede Galizia, contienen una valoración de la estatura de esta gran artista, a pesar de lo cual no se generó un verdadero interés en ella hasta épocas más recientes en las que inspiró a escritoras, dramaturgas y cineastas.

Más obras:
Dánae
Dos mujeres con un espejo
José y la esposa de Potifar
Bathseba en el baño
Cleopatra
Mujer tocando el laúd
Minerva
Lucrecia
Santa Catalina de Alejandría

Fuentes:
Vida y obra de las más prolíficas mujeres artistas de Italia, por Jamie Sue Austin
Artemisia Gentileschi, Clara Database of Women Artists, National Museum of Women in the Arts, Library and research center
Artemisia Gentileschi, de Wikipedia
Artemisia Gentileschi, por Diana A. Rengifo M
Artemisia Gentileschi, Arte y Estilos.net

Bibliografía sobre Artemisia Gentileschi:
Banti, Anna, Artemisia, Ediciones Cátedra, S.A., 1992 (novela escrita por la mujer de Roberto Longhi)
Lapierre, Alexandra, Artemisia (novela) Editorial Planeta S.A. (1999), Planeta-De Agostini (2000 y 2006)
Anglada, María Àngels, Artemisia (novela editada en 1989, 1995 y 1999)
Clark, Sally, Life Without Instruction, 1988, (obra de teatro estrenada en el Teatro Plus de Toronto en 1991)
Jamis, Rauda, Artemisia Gentileschi, Circe Ediciones, S.A. (1998)
Vreeland, Susan, The Passion of Artemisa, (2006)

Clara Peeters

2008-01-11T12:23:00.000-02:00

Una pintora flamenca que incursionó en el género del bodegón tempranamente, así como Fede Galizia, fue Clara Peeters, artista de cuya vida no se conoce casi nada. En un registro de bautismos de Amberes del año 1594 figura su nombre y, si de hecho se tratara de la misma, significaría que ya pintaba de manera profesional a la edad de doce o trece años, lo que parece poco probable. Sus trabajos fechados comienzan en 1607 y posiblemente pintó muy poco después de realizar su última obra, fechada en 1621, “La Virgen y el Niño dentro de una corona de flores”. Algunas fuentes mencionan una pintura perdida del año 1657, pero muchos de los datos en los que se fundamenta la cronología de su obra, en los libros de N. Vroom y P. Decoteau entre otros, parten de fuentes erróneas o inseguras que han sido corregidas por Fred G Meijer. Abraham Bredius presume que la artista trabajó en Ámsterdam en 1612 y en La Haya en 1617, pero al parecer la Clara Pieters que encontró en los archivos no era pintora sino prostituta. Otro archivo menciona a una Clara Peeters que contrajo matrimonio en Amberes el 31 de mayo de 1639, que pudo ser también otra persona. No se conoce con certeza la fecha de su muerte. Clara Peeters no representó ningún objeto que sugiera una fecha posterior a 1921; es erróneo el dato de J. G. van Gelder en el que asocia las monedas de una de sus pinturas con una fecha posterior a 1920, siendo en realidad posteriores a 1909.

No existen registros con el nombre de Clara Peeters ni en los gremios de pintores de Flandes ni de Holanda. El gremio de Amberes ya había comenzado a incluir mujeres desde 1602, por lo que bien podría haber sido registrada, y de hecho dos de sus paneles contienen marcas de Amberes.

Las únicas evidencias son, entonces, sus admirables obras firmadas y fechadas entre el año 1907 y 1921; la calidad, el tamaño de algunas y la producción que se conserva llevan a considerar muy difícil que no se tratara de una pintora profesional, encontrándose a la par de sus contemporáneos Jacob van Hulsdonck y Osias Beert como tempranos colaboradores con el desarrollo del bodegón. La destreza que muestran sus primeras obras hace suponer que fue entrenada por algún pintor, pero no hay fuentes que avalen esta teoría. Algunos suponen que fue adiestrada por Osias Beert, tal vez por la mayor cercanía que tiene su pintura con la de este artista.

En sus obras, desde los primeros bodegones de pequeño formato realizados en 1607 y 1608, su composición fue volviéndose más compleja y el punto de vista fue descendiendo. Hacia 1611 su estilo maduró completamente. Fue el año en que pintó el grupo que se encuentra en el Museo del Prado (“Bodegón con Peces”, “Bodegón con tarta” y “Bodegón con pasas”) en el que se aprecia una gran maestría en la imitación de texturas, el dominio de las formas, el manejo del espacio y la iluminación. Algunos sectores están todavía trabajados de manera pictórica. Sus obras de 1612 presentan un punto de vista aún más bajo, sus composiciones tienen menos objetos y la pintura muestra un acabado más fino. En su obra de 1621 (“La Virgen y el Niño rodeados de una corona de flores”) hay una regreso a la manera pictórica.

En la mayoría de sus trabajos, Clara Peeters dispone los objetos sobre una mesa: ramos de flores exóticas, lujosas piezas de platería, variedad de alimentos como nueces, quesos, panes, aves, mariscos, peces, todo sobre un fondo oscuro. En algunos de sus objetos de metal se ve reflejado su autorretrato en miniatura, lo que puede ser tomado como una firma adicional.

En el National Museum of Women in the Arts de Washington se encuentra su obra "Bodegón con pescado y gato". Clara Peeters tiene una especial importancia en este museo, ya que sus fundadores, Wilhelmina Cole y Wallace F. Holladay, coleccionistas de arte, sintieron el impulso de fomentar la conservación y difusión de obras de artistas mujeres cuando quedaron impresionados por una obra de Clara Peeters ubicada en una galería de Viena y unos días más tarde por otra ubicada en el Museo del Prado. Cuando la señora Holladay intentó averiguar más datos de esta artista en el libro que habitualmente consultaba (H. W. Janson’s History of Art), halló que no mencionaba ni a esta ni a ninguna otra mujer artista, quedando tan sorprendida por la omisión que en adelante se empeñó en coleccionar y redescubrir el arte de las mujeres. El cuadro “Naturaleza Muerta con Pescado y Gato” fue adquirido por la pareja y donado al National Museum of Women in the Art. La base de datos de este museo también se llama Clara, en honor a esta pintora.

Bodegón con pastel (c. 1611) Museo del Prado, Madrid

Bodegón con pasas (1611) Museo del Prado, Madrid

Bodegón con tarta c. 1611

Bodegón con flores y copas (1612) Óleo sobre Madera, 59,5 x 49 cm. Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe
(autorretrato reflejado varias veces en la copa de la derecha)

Bodegón con queso, pan y pretzels (bocadillos o panes en forma de lazo)

Bodegón con quesos, almendras y pretzels (c. 1612-15)

Más obras:
Flores en vaso de vidrio sobre mesa de madera
Bodegón con pescado y gato
Vanitas, (se presume que es un autorretrato de la artista)
Bodegón con candelabro
Bodegón con flores y frutas
Flores en florero de vidrio

Fuentes:
Luisa Elena Betancourt
Arte y estilos, biografías
Clara database of Women Artists - Library and Reserch Center (NMWA)
Clara Peeters, de Wikipedia
Artehistoria
Richard Green Gallery

Bibliografía sobre Clara Peeters:
Fred G Meijer, The Ashmolean Museum, Oxford, Catalogue of the Collection of Paintings: The Collection of Dutch and Flemish Still-life Paintings Bequeathed by Daisy Linda Ward, Zwolle/Oxford 2003

Pamela Hibbs-Decoteau, Clara Peeters 1594-c.1640, Lingen 1992

Fede Galizia (1578-1630)

2008-01-05T22:53:00.000-02:00

Fede Galizia, pionera del género que se denomina “bodegón”, nació en Milán, Italia, en 1578. Su padre, un pintor de miniaturas llamado Nunzio (o Annunzio) Galizia, fue quien la guió en el aprendizaje de la pintura. A la edad de doce años ya fue reconocido su talento como artista por el pintor y teórico del arte Giovanni Paolo Lomazzo, amigo de su padre, quien se refiere a ella con estas palabras: “esta joven se dedica a imitar a nuestro más extraordinario arte” (Giovanni Paolo Lomazzo, Idea del tempio della pittura, Milan 1590, p. 163, "dandosi all'imitation de i più eccellenti dell'arte nostra.")

Pronto fue reconocida y se convirtió en una exitosa pintora de retratos, recibiendo numerosos encargos. Su estilo tiene un enfoque marcadamente realista, vinculado con el manierismo lombardo de fines del siglo XVI, dentro de la tradición naturalista del Renacimiento italiano. Es probable que la influencia de su padre como miniaturista haya determinado la minuciosa atención al detalle en sus retratos, que demuestra también en la perfecta imitación de ropajes y joyas. Tuvo encargos tanto de obras sobre temas religiosos como profanos. Sus representaciones de Judith y Holofernes se encuentran en varias colecciones privadas.

Un retrato del jesuita Paolo Morigia, fechado en 1596, es su primera obra conocida que perdura y fue pintada por la artista cuando tenía dieciocho años. En esta pintura, el estudioso milanés, que fue uno de sus primeros admiradores y patrocinadores, está representado en el momento en que escribe una poesía dedicada a la artista; la letra es perfectamente legible en el papel que se apoya sobre el volumen de su obra más famosa, la “Nobilità di Milano”. En sus lentes se refleja la habitación en la que se encuentra, reforzando la ilusión de veracidad. El realismo del rostro, que tiene un fuerte sentido psicológico, ha sido comparado con los retratos de Giambattista Moroni y de su maestro Lorenzo Lotto, además de tener una semejanza con el de los pintores del norte europeo. Se sabe que realizó un retrato anterior de Morigia en 1595, pero lamentablemente este se ha perdido.

Fede Galizia también realizó encargos públicos de retablos para algunas iglesias de Milán. Uno de ellos fue el Noli me tangere (1616, Milán, San Stefano Maggiore) que realizó para el altar de la iglesia Santa María Magdalena.

En su época, esta pintora fue más apreciada por sus retratos y obras de temas religiosos que por sus naturalezas muertas –que no son mencionadas en muchas fuentes de ese tiempo- aunque la mayor parte de sus obras que han sobrevivido son las de este género, a través del cual ha ganado un lugar en la historia del arte. Uno de sus bodegones, fechado en 1602, es considerado el primero en ser firmado por un artista italiano. Su trabajo refleja influencias de obras como “Canasta de frutas” de Caravaggio. En la composición, se aleja de la exhuberancia propia del período de la Contra Reforma, caracterizándose por una austeridad y simpleza similar a la de las obras de Francisco de Zurbarán. Su estilo tiene un colorido vibrante y un muy logrado realismo, extremadamente detallista, admirable en la imitación de texturas y materiales. Muestra un equilibrio perfecto de luz y sombra, figuras y fondo, evitando la aglomeración de elementos. Generalmente, en sus obras dispone un tipo de frutas (peras, duraznos) en un recipiente y unas pocas esparcidas en la mesa, a veces con algunas flores. Su trabajo influenció a artistas como Panfilo Nuvolone y Giovanna Garzoni, y será tomado posteriormente como modelo en la pintura moderna de este género. Los bodegones de Fede Galizia no tuvieron un reconocimiento hasta el siglo XX, cuando se los rescató del olvido y se les brindó una atención especial a través de estudios realizados en 1963 y 1989.

Fede Galizia nunca contrajo matrimonio. Tuvo una carrera exitosa y una vida feliz, según cuenta la historia. Murió en Milán, en 1630, probablemente por la plaga que se propagó en Italia en aquella época. Se han catalogado sesenta y tres trabajos de su autoría, de los cuales cuarenta y tres son bodegones.

Judith con la cabeza de Holofernes (1596).

Se cree que la figura de Judith es su autorretrato.

Duraznos en una cesta blanca (1578-1630).

Frutero de cristal con duraznos, membrillos y flores de jazmín, óleo 30x41 cm

La Haya, Colección Vitale Bloch

Más obras:
Retrato de Paolo Morigia (1596)
San Carlos en hábito penitencial, Museo del Duomo de Milán
Cristo en el jardín, Museo Diocesano de Milán
Naturaleza muerta
Frutero y dos flores de jazmín (1590) 37x45,5 cm
Bodegón con flores y peras (1605) 30x35 cm
Frutero de cristal con duraznos, membrillos y flores de jazmín (1607)
Canasta con duraznos (1602)

Fuentes:

Fede Galizia, Everything2

Fede Galizia, Wikipédia

Fede Galizia, Julia Elena Betancourt

Life in Italy, Women artists

Clara database of Women Artists (NMWA)

Marietta Robusti (1560-1590)

2007-12-28T14:02:00.000-03:00

Marietta Robusti nació en Venecia en 1556 -aunque algunos autores como Ridolfi marcan como fecha de su nacimiento el año 1560- y fue la segunda descendiente de uno de los grandes maestros de la escuela veneciana, Jacopo Robusti, conocido con el apodo de “Tintoretto” por ser hijo de un tintorero de sedas. Marietta, también llamada “la Tintoretta”, fue muy apegada a su padre, la preferida de los ocho hijos del pintor. Para que pudiera acompañarlo a todas partes y recibiera un aprendizaje más completo, Jacopo vestía a su hija de varón. Le enseñó su técnica pictórica que ella asimiló hasta el punto en que llegó a ser imposible distinguir diferencias en los trabajos de ambos. En la biografía de Tintoretto por Ridolfi, publicada en 1648, dice que Marietta ejemplificaba el ideal humanista de femineidad de aquel tiempo, ya que fue bien educada y se le permitió desarrollar sus habilidades para el arte y la música. Practicó también canto, laúd y clavecín bajo la instrucción del napolitano Giulio Zacchino y se cuenta que solía cantar para su padre mientras este pintaba.

Marietta trabajó en el taller de Jacopo durante quince años; al tiempo que lo ayudaba en sus obras y enseñaba pintura, recibía encargos de retratos de la aristocracia veneciana, logrando tal éxito que ya era una moda posar para “La Tintoretta”. Su primer retrato, según Elizabeth Fries Ellet, fue el de Marco del Vescovi, muy admirado especialmente por la pintura de la barba, según esta autora algunos ya se aventuraron a decir que había igualado a su padre en la ejecución de esta obra.

El Emperador Maximiliano quedó muy impresionado por el gran parecido logrado en un retrato de su anticuario Jacopo Strada que este le llevó como curiosidad junto a un autorretrato de la artista; según dicen, el emperador colocó ambas obras en su cámara y la invitó a ser pintora de su corte. También fue invitada por Felipe II de España y el Archiduque Ferdinando, pero, ante la insistencia de su padre, Marietta rechazó todas las ofertas que la alejarían de Venecia y la casa de su familia. Tanto fue el apego paterno, que sólo permitió que se casara cuando Mario Augusta, un acaudalado joyero, accedió a vivir en la misma casa.

Marietta murió de parto luego de cuatro años de haber contraído matrimonio, a la edad de treinta años, dejando a su padre en un profundo pesar del que, según dicen, no pudo recuperarse. Cuenta la tradición que Jacopo la retrató cuando yacía muerta en su lecho (según Fries Ellet, un artista pintó a Tintoretto transfiriendo al lienzo los rasgos aún bellos de su hija muerta). Sus restos fueron depositados en el panteón familiar de la iglesia de Santa Maria dell’Orto rodeada por varias pinturas del Tintoretto, quien la acompañó cuatro años después, cuando unas fiebres terminaron con su vida.

A pesar de haber tenido numerosas comisiones, como lamentablemente ha ocurrido con muchas mujeres artistas, las obras de Marietta no han perdurado, se han perdido o han sido confundidas y englobadas dentro de la producción de Jacopo Robusti. Recién en el año 1920 fue descubierta la característica “M” de su firma en el famoso cuadro “Retrato de un Anciano con un Niño”, atribuido anteriormente al Tintoretto. Se le atribuye también otra obra, “Retrato de una mujer con un perrito”, pero este caso es más dudoso.

Retrato de un Anciano con un Niño

Fuentes:
Marietta Robusti, "La Tintoretta", Luisa Elena Betancourt
Gallery of Storytelling through visual images, Marietta Patricia Leis
Mujeres artistas - Marietta Robusti (Mujer, Arte y Literatura)
Women Artists in All Ages an Countries, Elizabeth Fries Ellet

Observación:
Se encuentran en algunos sitios de internet obras atribuidas a Marietta Robusti, como Joven Veneciana, y Dama Veneciana, supuestamente ubicadas en el Museo del Prado, pero no he encontrado estas obras en los archivos del museo madrileño. Hay también algunos autorretratos, pero no he podido confirmar la autoría de ninguno.